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Marvin (2017)

Quando o acrobata começa a pensar, ele cai

Dirigido por Anne Fontaine (de Coco Antes de Chanel), Marvin é um um filme de coming of age, de descobrir-se a si mesmo, um Lady Bird queer de interior. O protagonista é Marvin Bijou (Jules Porier), um menino de olhar doce que mora em um vilarejo no interior da França. Sua mãe, Odile (Catherine Salée), o trata com afeto e o defende, mas ao mesmo tempo a dura rotina não permite que preste muita atenção no garoto. Seu pai, Dany (Grégory Gadebois), tem sua própria ética, mas é um homem tosco, rude e mergulhado em preconceitos. O irmão mais velho, Roland (Charles Berling) é violento e o ameaça. Mas o grande problema é a escola, onde os demais meninos tentam humilhá-lo e a violência física se faz presente. Marvin é gay.

O lugar não é violento só com ele. O que vemos são rotinas permeadas pela falta de rumo: as surras da infância que deixam marcas nos adultos, a maternidade compulsória (porque não ter filhos cedo “é ser lésbica ou frígida”), o álcool como alternativa, a falta de um respiro para todos. Tudo alimenta um ciclo de rispidez, mas Marvin é diferente e o que passa guarda a especificidade de sua diferença. Os planos detalhe dão conta da forma como ele observa o seu próprio universo: a sunga na piscina, onde os corpos desnudos dos meninos mais velhos se tocam; a alça azul do sutiã da mãe que escapa em desleixo sob sua blusa. Sensível, ele transita no mundo enxergando e sentindo, mas nem sempre é visto e quando o é, sobram-lhe socos, batons esfregados na cara e um rosto machucado pelo ódio que o rodeia. Em mais uma violência, mesmo que sem o uso de força, seu pai diz que “bicha” é um tipo de doente mental. Sua tentativa de emular uma masculinidade hegemônica é regada a álcool, violência contra uma menina e homofobia internalizada.

É Marvin adulto (Finnegan Oldfield) quem rememora sua própria infância. O passado ecoa no presente. Marvin descobriu o teatro e com ele o acolhimento e a possibilidade de uma saída. Fez uma audição e foi aprovado em um Liceu em Paris, para onde se mudou. Quem é “estranho” sempre vai buscar outro lugar. O pai parado na estação durante a despedida, mas, de dentro do trem, ele não olhou para trás. Para ele era fácil. A ruptura era o caminho. Ele chega, mesmo, a criar versões piores de seus pais para justificar para si mesmo o distanciamento que deseja manter.

A nova vida parisiense é a possibilidade de experienciar sua própria subjetividade. Quando se envolve com um homem mais velho, descobre facilidades que antes eram inatingíveis, mas também se depara com uma questão de classe: é chamado de proletário e acusado de usar a cama para ser burguês. São nessas sutilezas que o filme acerta, ao colocar múltiplas questões de identidade e pertencimento. É como se o lar não fosse em lugar nenhum.

Mas essas reflexões servem para estruturar uma peça dentro do filme. Os momentos rememorados viram monólogo. Entra Isabelle Huppert interpretando Isabelle Hupert, que auxilia o jovem dramaturgo. Marvin muda de nome para Martin Clement. Quem matou Marvin Bijou? No palco, parede e cadeira vermelhas e muita água. Um útero e a vontade de retornar para um lar que não mais existe. É o exílio constante, onde quer que esteja. O artista escova a sobrancelha e se maquia para criar um personagem de si mesmo: a narrativa que criamos para nós numa tentativa vã de dar sentido à vida.

A arte cria o espaço para a expressão. A arte liberta. A arte até mesmo cria o distanciamento necessário para reavaliar pessoas. Na foto de família tirada na infância de Martin, todos estão sorrindo. Mas fotos são posadas. E se ao invés de fotos, aquelas crianças estivessem sendo filmadas? Será que alguém olharia esses filmes e perceberia a tristeza em seus olhares? Se o passado é marcado pela necessidade de fugir para se encontrar, o presente pode ser o local do fazer as pazes, mas esse é um acordo silencioso que nunca vai ser amor.

“É claro que tive momentos de alegria, felicidade até, mas nada disse é inventado”, ele afirma em certo momento. Não é inventado, mesmo que para outras pessoas não parecesse ser do jeito que ele relata. É com a delicadeza da narrativa marcada pela força da dor, que Marvin descortina os caminhos difíceis de crescer sendo diferente.

4,5 de 5 estrelas

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A Livraria (The Bookshop, 2017)

Em uma pequena cidade no interior da Inglaterra em 1959, uma viúva decide comprar uma casa antiga e abrir uma livraria. Florence Green (Emily Mortimer) é alertada para o fato de que as pessoas do local não tem o hábito de ler, mas insiste na ideia. O imóvel está caindo aos pedaços mas ela se muda para ele, começando os reparos e encomendando os primeiros volumes. E assim conhecemos A Livraria, adaptado de um romance de Penelope Fitzgerald, com roteiro e direção da cineasta espanhola Isabel Coixet.

Florence é convidada para uma festa que conta com a mais alta sociedade local, organizada pelo General Gamart (Reg Wilson) e por Violet Gamar (Patricia Clarkson). Opta por um vestido que insiste em dizer, repetindo as palavras da costureira, que não é vermelho, mas bordô profundo. E assim conhece a acidez de Milo North (James Lance), celebridade local mordaz que lhe diz que vermelho é para empregadas domésticas em dia de folga. E, por fim, é avisada por Violet que ela tinha outros planos para a velha casa: queria construir um centro público de artes para a região.

O filme parece se propor a ser uma fábula de superação da viúva perseguida, mas a qualidade do texto é tão sofrível que nem Mortimer consegue dar conta. Além disso, em termos de discurso, é no mínimo questionável Florence não se importa que as pessoas não se interessem por livros. Com aquele apego de superioridade que costuma acometer amantes de determinadas artes, sua crença na conversão dos demais é inabalável. “Para que a população dessa vila precisaria de um centro de artes?”, ela se indaga, ao mesmo tempo em que enxerga seu próprio negócio particular como um alento para eles.

Os personagens são incomodamente unidimensionais. Os patronos Gamar parecem agir apenas com intuito de prejudica-la e North é tão afetadamente caricato que em certo momento parece ter havido a decisão de inserir uma namorada inócua na história apenas para que não se apontasse a sua criação como a de um capanga gay estereotipado de um filme noir dos anos 40.

O conservadorismo prevalece e mesmo Florence, a protagonista, como boa moça que é, guarda a viuvez e a memória do marido há anos, se privando de qualquer prazer carnal e dedicando-se às letras. Quando se relaciona com alguém, é Edmund Brundish (Bill Nighy), o velho viúvo da cidade, que vive isolado, e tem idade para ser seu pai; ou as crianças. Aliás, quando arruma sua loja, ela chama um grupo de meninos escoteiros para montar seus móveis. Crianças montariam móveis melhor que uma mulher adulta apenas por serem meninos?

Mas o pior é a forma como é retratada sua relação com Christine (Honor Kneafsey). A menina, extremamente madura, uma entre muitos irmãos de uma família desprivilegiada, é contratada como assistente de sua loja, do jeito que aqueles bons e velhos tempos permitiam. Avisa que não vai ler os livros, mas ajuda a carregá-los e a atender os clientes. Nos intervalos Florence brinca com ela e se oferece para ajudar com sua lição de casa. Quando descobre a péssima qualidade das atividades oferecidas e do ensino como um todo, não faz nada a respeito. E quando é notificada por contratar ilegalmente a mão de obra de uma criança, mostra-se ofendida, afinal, são amigas.

Com um figurino caprichoso que delega a Florence cores em tons de mostarda, verde e marrom, o filme tem uma estética extravagante bastante planejada compondo a trajetória da personagem. A Livraria consegue defender, com cores bonitas e muito açúcar, a proprietária e empreendedora de um pequeno negócio que se recusa a abrir mão dele para uso público que poderia beneficiar a população e que trata como brincadeira a exploração de trabalho infantil. É a améliezação do feminismo liberal.

Selo "Approved Bechdel Wallace Test"

Nota: 2 de 5 estrelas

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Lou (Lou Andreas-Salomé, 2016)

Lou Andreas-Salomé. É provável que você, assim como eu, nunca tenha ouvido falar desse nome. E isso é mais do que sintomático. Louise von Salomé foi uma romancista, filósofa e psicanalista. Roteirizado (juntamente com Susanne Hertel) e dirigido por  Cordula Kablitz-Post, o filme que leva seu nome se propõe a relatar um pouco de sua biografia.

A protagonista é retratada em diversas idades. Quem rememora sua história é ela mesma, aos setenta e dois anos (Nicole Heesters). Nascida em 1861, aos seis anos (Helena Pieske) queria ter as mesmas liberdades que eram oferecidas a seu irmão. Aos dezesseis (Liv Lisa Fries) se instruiu aprendendo filosofia e teologia com um tutor. Já adulta (Katharina Lorenz), cursou faculdade, um feito raro, dificultado à maior parte de suas contemporâneas. Aos vinte e quatro anos publicou seu primeiro romance. Para consegui-lo, precisou utilizar um pseudônimo masculino. Nessa fase de sua vida, o filme foca no ambiente movimentado de intelectualidade que ela costumava frequentar. Assim ficamos sabendo de seu relacionamento com Nietzsche e Paul Rée, de seu romance com Rainer Maria Rilke, das aulas que recebeu de Freud. Em certo momento ela fala que a falta de espaço para uma mulher se desenvolver é tão ruim como a de liberdade para um homem. Por meio de seus estudos e de seus relacionamentos refletiu sobre questões da mulher, erotismo e sexualidade. Como cinebiografia, Lou utiliza uma estrutura narrativa bastante tradicional. Esteticamente o elemento que chama atenção são as transições, feitas com o uso de postais de cada época e lugar e a inserção de sua protagonista neles. Destaca-se o humor e a forma reverente, mas não rígida com que a personagem é tratada.

E aí divago. Quando eu tinha doze anos, aspirante a escritora, visitei Lindolf Bell, um poeta que eu admirava. Mais tarde, no mesmo ano, pouco antes de falecer, ele me presenteou com um exemplar de Cartas a um Jovem Poeta, do próprio Rilke. Nessa época, proto-feminista, eu costumava dizer que era poeta, e não poetisa, porque poesia não tem gênero. Hoje, feminista com um tempo de estrada, digo que literatura tem, sim, gênero, e ele fica patente nesses pequenos detalhes. É claro que minha referência naquela idade era Bell (embora a escritora que eu mais lesse fosse Agatha Christie). É claro que o autor escolhido por ele para me presentear foi Rilke. (Não estou o criticando pessoalmente). Mas é triste ver como vivemos em uma estrutura social onde a arte ainda é masculina e naturalizada como tal. E facilmente uma pessoa pode passar anos sem nem perceber que simplesmente não lê obras que foram escritas por mulheres. Eu poderia ter lido um romance de Lou, se ela pelo menos sua obra tivesse sido traduzida para o português, e assim ter tomado conhecimento de uma mulher inspiradora e que vivia envolta às letras, como eu desejava fazer. Mas não. Restou-me Rilke. Não conhecia Lou, não conhecemos Lou, deixamos passar despercebido o trabalho de tantas mulheres.

Lou pode ser convencional, mas ainda assim impressiona. E impressiona, talvez, mais por esses elementos extra-filme do que pelo filme em si. Basta pensar em todos esses homens que a rodearam: Nietzsche, Rilke, Freud. Eles são absolutamente célebres: mesmo alguém que nunca leu nenhum de seus trabalhos, reconhece seus nomes e sua importância. E como não a conhecemos? No final é necessário uma mulher escrever e dirigir um filme como esse  pra que o público conheça outra mulher. E de certa forma é um pouco decepcionante, depois de toda a trajetória de vida apresentada, não conseguir tomar forma do que realmente era o trabalho de Lou por meio da película, que foca justamente nessa sucessão de homens célebres. Mas não deixa de ser interessante e mesmo necessário.

Selo "Approved Bechdel Wallace Test"

Nota: 3,5 de 5 estrelas

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41ª Mostra de São Paulo parte 1: dirigidos por mulheres

Entre os dias 19 de outubro e 1º de novembro, São Paulo recebeu a 41ª edição da Mostra Internacional de Cinema. Ao todo foram 394 títulos, entre longas, curtas e até mesmo 19 obras de realidade virtual, exibidos em 31 salas diferentes. As obras são variadas e a seleção inclui temáticas contemporâneas como relações de gênero, a questão dos refugiados e os problemas ambientais. Dentre as obras selecionadas, 98 são dirigidas por mulheres, incluindo 21 diretoras brasileiras. A cineasta belga Agnès Varda foi homenageada com o Prêmio Humanidade e recebeu uma retrospectiva com 10 filmes sendo exibidos. O diretor francês Paul Vecchiali também foi agraciado com o Prêmio Leon Cakoff e teve oito longas restaurados em exibição, além de seus três últimos lançamentos.

Nos próximos dias postarei os textos elaborados sobre os filmes que assisti, começando por aqueles dirigidos por mulheres. Seguem os primeiros:

Scary Mother (2017), de Ana Urushadze

Com ar preocupado, uma mulher com cabelo solto e bagunçado caminha por uma espécie de ponte. Só é visível o corrimão, mas é possível ver as construções abaixo.

Scary Mother é um filme que abraça as penas da criação, o insuportável processo de criação. Manana (Nato Murvanidze), a protagonista, é uma mulher em torno dos 50 anos, casada e com três filhos. Com postura fechada, ombros curvados e os cabelos sempre soltos caindo sobre o rosto, ela tem dificuldade de conciliar sua escrita com a convivência familiar. As expectativas dos demais parecem ser o que lhe coloca o peso sobre os ombros. O marido diz que uma mulher deve se cuidar e pintar os cabelos. Os filhos não entendem seu silêncio. Seu mundo de imaginação é uma aberração: como consegue ver figuras nos azulejos do banheiro? A mãe é assustadora: claro que é. Assusta ao não se cumprir com os acordos silenciosos da convivência familiar

Quando um homem se isola para criar, ele é um gênio. Quando uma mulher, faz o mesmo, deixando de lado os papéis sociais e domésticos que dela se espera, é louca. O que a família acarreta na trama é o desrespeito pela sua obra, considerada vulgar, profana, inadequada. Literatura e realidade se sobrepõem e se fundem, desconcertando quem a rodeia. Scary Mother é o primeiro trabalho da cineasta Ana Urushadze, que o constrói de forma rígida e intensa, frio e nublado como o clima retratado e intrigante como sua protagonista.

Jericó: o infinito vôo dos dias (Jericó: el infinito vuelo de los días, 2016), de Catalina Mesa

Uma senhora de costas, com cabelos brancos, olha para uma coleção de esculturas de santos perfiladas sobre um armário

 O documentário se passa em uma pequena cidade de mesmo nome na Colômbia. O breve poema escrito em homenagem a ela que aparece na abertura tem como autora uma mulher que compartilha o sobrenome da diretora. Não é explicado, mas talvez daí saia a conexão entre a criadora e o ambiente retratado

As casas, com fachadas multicoloridas, escondem as histórias de suas moradoras já idosas ou chegando lá. Daquela que ainda moça foi aos Estados Unidos e acabou ficando porque “o melhor dinheiro é viajar” àquela que cujo noivo hoje é padre pois sua família, branca, a considerou “negra demais para permitir o casamento”. Relacionamentos, devoção, família e pequenos causos de vida são relatados entre uma atividade cotidiana e outra.

Abusando de planos de estabelecimento preenchidos por músicas regionais, o filme, que tem apenas uma hora e dezessete minutos de duração, poderia tranquilamente ser convertido em um programa de televisão com uma hora de duração. Falta uma estrutura que o guie, mas é compreensível que com personagens tão ricas e histórias tão variadas e saborosas em suas mãos, a cineasta não tenha deixado mais nada de fora.

As Mulheres Divinas (Die Göttliche Ordnung, 2017), de Petra Volpe

Uma mulher está em pé em frente ao microfone, com ar temeroso, segurando uma folha de papel como que prestes a discursar. À sua frente três longas mesas cheias de gente que não prestam atenção a ela.

Suiça, 1971: o letreiro inicial do filme relata que, de forma impressionante, as mulheres do país ainda não possuem direito ao voto. O movimento sufragista intensifica sua campanha e nós acompanhamos suas atividades sob o ponto de vista de Nora (Marie Leuenberger), uma dona de casa casada e mãe de dois filhos, moradora de uma pequena vila, que não tinha envolvimento anterior com política, mas não se opõe a ideia de conseguir novos direitos. Seus problemas começam quando seus recém adquiridos desejos políticos entram em choque com a rotina estabelecida para as mulheres.

Nesse momento é possível perceber que o próprio movimento trabalhista local, composto majoritariamente por homens, mas também por uma mulher que se coloca em lugar diferenciado, se opõe à ampliação dos direitos femininos porque isso abalaria o status quo. Mas as mulheres se unem em torno da causa, prontas para desestabilizar o que for preciso.

Pense Estrelas Além do Tempo e Guerra dos Sexos com uma pitada de Orgulho e Esperança: As Mulheres Divinas é um desses filmes bem realizados que não são tecnicamente ousados, mas que acalentam pela força da narrativa e pela importância de seu tema, vindo na esteira de obras que obrigatoriamente nos deixam com um sorriso no rosto e o coração aquecido.

Zama (2017), de Lucrecia Martel

um grupo de cavaleiros atravessa um charco em meio a palmeiras.

 Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho) é um funcionário da coroa espanhola na Argentina, a quem foram prometidas riqueza e honrarias que jamais se concretizaram. Morando em um local ermo, tenta manter a aparência europeia com uma peruca desgrenhada, utilizada apenas quando necessária, e uma casaca mal cortada. A solidão e o ridículo são suas companheiras, enquanto constantemente solicita poder voltar para casa. Os planos são trabalhados com academicismo e o desenrolar da história é lento.

O personagem-título é retratado como uma figura sem grandes méritos e o empreendimento “civilizatório” da colonização aparece fracassado, perdido na inutilidade da função burocrática de seus responsáveis. Curiosamente, apesar desse posicionamento marcado, pouca voz é dada aos povos de outras etnias retratados: pessoas negras e indígenas perpassam a trama sem agência real ou como a confirmação dos medos e preconceitos trazidos da Europa.

Filmes recentes, como O Abraço da Serpente e Z: A Cidade Perdida, apesar de também terem seus problemas, especialmente no que tange à exotização, abordam de maneira mais interessante o contato entre homens brancos e populações ameríndias. O filme ganha fôlego no terceiro ato, com a materialização da ameaça que ronda à boca pequena sob o nome de Vicuña Porto (Matheus Nachtergaele), mas, como um todo, o resultado final é árido e até mesmo enfadonho.

Nota: 3 de 5 estrelas

Esplendor (Hikari, 2017), de Naomi Kawase

 Pessoas atravessando a rua. Uma mulher sorrindo na calçada. Um homem de paletó espera o taxi com expressão de raiva. A sequência pode não ser exatamente assim, mas são descrições como essa que abrem o novo filme de Naomi Kawase. As pessoas familiarizadas com a textos para fins de acessibilidade rapidamente a reconhecerão. Misako (Ayame Misaki) é uma criadora de áudio descrição para cinema. Ela narra o que aparece na cena, para que pessoas cegas possam apreender o contexto dela. Em uma reunião com um grupo de teste, para aprovar o trabalho que está criando, Misaya (Masatoshi Nagase) critica o resultado do trabalho, explicando que ela não está apenas falando sobre o que a cena mostra, mas projetando suas próprias emoções, não permitindo que eles tirem suas conclusões. Outro personagem revela que ele é um fotógrafo famoso que ainda enxerga, embora com dificuldade, pois gradativamente está perdendo a visão.

A trama é centrada nessa perda e em como ela o afasta da sua arte. Mas a diretora usa a trajetória do personagem para comentar sobre a relação pessoal que entabulamos com o cinema e como o utilizamos para nos conectarmos com outras pessoas, mesmo que fictícias. O cinema, visual ou narrado, é sentido por cada um de uma maneira diferente.

A câmera do personagem é apresentada como aquilo de mais próximo ao seu coração que ele tem. “Se afastar daquilo que mais ama é insuportável”, diz Misako. Mas talvez se o filme fosse realizado por pessoas cegas, e não videntes, a cegueira não seria tão central ao drama, pois não seria apenas isso a definir o protagonista. A amizade entre os dois personagens forma uma dinâmica interessante, unindo a profissão e os interesses de ambos, mas o romance que se delineia parece desencaixado de contexto.

Em se tratando de visual, a diretora se esmera: o rosto de Ayame Misaki é sempre enquadrado de forma elegante e as cenas são muito bonitas, regadas de luz. Também não se pode acusa-la de não ser constante em seu estilo, bastante açucarado. Mas em se tratando da temática abordada, o filme é impressionantemente pouco acessível. A diretora cria um comentário metalinguístico sobre o processo de fazer cinema e sobre como cada um tem sua percepção individual sobre a arte apreciada. Propõe que, por conseguinte, esta não deve ser guiada, embora seja isso que ela tente fazer, conduzindo-nos pelos caminhos emocionalmente confusos de sua criação.

Nota: 3 de 5 estrelas

Operações de garantia da lei e da ordem (2017), de Júlia Murat e Miguel Antunes Ramos

O trabalho de revisar os acontecimentos políticos do Brasil a partir de 2013 seria hercúleo, mas esse documentário consegue dar conta de coloca-los em perspectiva de maneira eficiente. Partindo das diversas manifestações que se alastraram pelo país naquele ano e de uma fala da então presidenta Dilma Rousseff, que pedia as mesmas fossem realizadas de forma pacífica e ordeira, ele mostra o gradual cerceamento de direitos e os métodos utilizados para desestruturar os movimentos, do enfraquecimento das ações individuais e coletivas até a restrição da liberdade, passando pela infiltração de policiais visando criar falsos flagrantes.

Ao invés de utilizar relatos e análises posteriores, que poderiam gerar um filme burocrático, os diretores realizam uma complexa montagem de vídeos retirados da programação jornalística dos canais de televisão aberta, opondo-os à cobertura das mídias independentes, especialmente transmissões ao vivo. Dessa forma, a importância dos segundos como ferramenta de divulgação de conteúdo é realçada, em comparação aos discursos recorrentes dos veículos tradicionais. Esses, frisam constantemente a necessidade de movimentos ordeiros, respeitosos, despolitizados e “bonitos”, como é mencionado em determinado momento. A ação da polícia e do jornalismo tradicional no sentido de incriminar qualquer tipo de movimento que fuja desse padrão fica patente.

O desfecho não existe: essa história ainda está em andamento. Em 12 de maio de 2016 assistimos Michel Temer empossar seus novos ministros e desde então testemunhamos o trabalho de desmonte que tem sido realizado. As reações passionais da plateia ao filme demonstram sua eficiência: são gritos, xingamentos, risadas nervosas e suspiros. Não é fácil de assisti-lo, mas é necessário.

Nota: 4 de 5 estrelas

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#52FilmsByWomen ano 2: a conclusão

Em 1º de outubro de 2015 eu comecei o desafio #52FilmsByWomen (ou 52 Filmes por Mulheres). Senti que precisava conhecer mais filmes que fugissem de um olhar androcentrado e que existiam muitas mulheres com filmografias incríveis para desbravar. Ontem concluí, portanto, o segundo ano do desafio. No primeiro foram 72 longas assistidos e dessa vez foram 91. Somo assim, 163 longas em dois anos, que sobem para 185 quando levo em conta os curtas, mas esses não estou computando na minha “contagem oficial”. É claro que o aumento no número se deve à continuidade do trabalho no Feito por Elas. Também escrevi sobre a questão do trabalho dessas cineastas em relação ao orçamento que têm disponível.

Alguns desses filmes foram revisões, muitos deles para o próprio podcast. Foi bom poder rever Persépolis (2007, Marjane Satrapi), A 13ª Emenda (13th, 2016, Ava DuVernay), Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2014, Ava DuVernay), Mensagem para Você (You’ve Got Mail, 1998, Nora Ephron) e As Virgens Suicidas (The Virgin Suicides, 1999, Sofia Coppola), entre outros.

Finalmente conheci o trabalho de Ida Lupino, uma daquelas pioneiras que a gente só pode agradecer pela existência. Tive a alegria de entrevistar Júlia Murat e Eliane Caffé, que me encantaram com seus trabalhos, além de Cristiane Oliveira, de quem já aguardo novos filmes. Me entusiasmei com Chantal Akerman, Claire DenisSarah Polley. Me encantei com a criatividade de Juliana Rojas e e me apaixonei tanto por Maya Deren que Maya se tornou o nome da cachorrinha que adotei no começo do ano. (Melhor homenagem, convenhamos!)

O que esse desafio segue me proporcionando é uma diversidade de narrativas, com filmes dos cinco continentes protagonizados por personagens de diversas etnias, meios sociais e perspectivas de mundo, com pontos de vista autobiográficos, biográficos e descolados desse contexto. Narrativas documentais e ficcionais, filmes água com açúcar, engraçados, inspiradores, intensos e dolorosos. Tudo isso mostrando, mais uma vez, que há um mundo muito maior no cinema do que a narrativa dramática tradicional que gira em torno do homem branco heterossexual.

Novamente vou listar aqui os filmes que mais gostei de ter visto pela primeira vez. Tomei a liberdade de aumentar de 10 para 15 (devido ao grande número de filmes maravilhosos). Estão ordenados cronologicamente, porque sou incapaz de ranqueá-los. Como algumas diretoras se destacaram no meu coração, também optei por só incluir um de cada uma.

Melhores filmes (ordem cronológica):

Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce 1080 Bruxelles (1975, Chantal Akerman)

Sonho de Valsa (1987, Ana Carolina)

Chocolat (1988, Claire Denis)

Caramelo (Sukkar banat, 2007, Nadine Labaki)

Floresta dos Lamentos (Mogari no mori, 2007, Naomi Kawase)

Entre o Amor e a Paixão (Take This Waltz, 2011, Sarah Polley)

Trabalhar Cansa (2011, Juliana Rojas)

A Viagem (Cloud Atlas, 2012, Lana e Lily Wachowsky)

Hannah Arendt- Ideias Que Chocaram o Mundo (Hannah Arendt, 2012, Margaret von Trotta)

As Vozes (The Voices, 2014, Marjane Satrapi)

The Fits (2015, Anna Rose Holmer)

Grave (2016, Julia Ducournau)

Era o Hotel Cambridge (2016, Eliane Caffé)

Mulher Maravilha (Wonder Woman, 2017, Patty Jenkins)

O Estranho que Nós Amamos (The Beguiled, 2017, Sofia Coppola)

Melhores documentários:

Histórias que Contamos (Stories We Tell, 2012, Sarah Polley)

The Barkley Marathons: The Race That Eats Its Young (2014, Annika Iltis)

As Mulheres que Ele Despiu (Women He’s Undressed, 2015, Gillian Armstrong)

Não é um Filme Caseiro (No Home Movie, 2015, Chantal Akerman)

Waiting for B. (2015, Abigail Spindel)

Et la femme créa Hollywood (2016, Clara Kuperberg, Julia Kuperberg)

Weiner (2016, Elyse Steinberg)

Divinas Divas (2016, Leandra Leal)

Bright Lights: Starring Carrie Fisher and Debbie Reynolds (2016, Alexis Bloom)

Laerte-se (2017, Lygia Barbosa e Eliane Brum)

Mais uma vez essa foi uma experiência incrível e cheia de boas descobertas. Quem quiser acessar a lista completa de filmes assistidos no desafio esse ano bem como suas notas, clique aqui. O primeiro ano também está disponível, bem como a avaliação. E estou pronta para começar a o terceiro ano de desafio!

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