Tag Archives: comédia

Os Oito Odiados (The Hateful Eight, 2015)

Em E Não Sobrou Nenhum (anteriormente chamado de O Caso dos Dez Negrinhos), de 1939, um dos romances policiais mais famosos da escritora britânica Agatha Christie, dez desconhecidos se vêm confinados em uma casa isolada em uma ilha durante um fim de semana. Eles morrem um a um, gradativamente aumentando a tensão entre os sobreviventes, que precisam descobrir quem é o responsável pelos assassinatos. A premissa da cabana isolada não é nenhuma novidade, mas o diretor e roteirista Quentin Tarantino faz bom uso dela em Os Oito Odiados. Kurt Russel é John Ruth, um caçador de recompensas que transporta Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), por quem são oferecidos dez mil dólares viva ou morta, dinheiro o bastante para aguçar a cobiça alheia. Em meio a uma nevasca, juntam-se a eles o também caçador de recompensas Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson) e Chris Mannix ( Walton Goggins), que afirma ser o novo xerife da cidade vizinha, Red Rock, além do guia da diligência, O.B Jackson (James Parks). Para abrigar-se da neve, param em uma estalagem onde estão o veterano dos confederados General Sandy Smithers (Bruce Dern), o mexicano Bob (Demián Bichir), Oswaldo Mobray (Tim Roth) e o janota Joe Gage (Michael Madsen), formando, assim o grupo que dá nome ao filme.

western funciona como uma peça de teatro, com poucas mudanças de cenário e diálogos afiados desde o começo. De fato, os três primeiros atos se sustentam basicamente em torno deles e são a melhor parte do filme.

O uso largamente propagandeado de câmeras Panavision 70mm resultaram em uma fotografia muita bonita. Na abertura vemos a diligência cortando a neve, engolida pela natureza ao seu redor, enquanto os créditos rolam de maneira bastante tradicional, acompanhados da trilha sonora de Ennio Morricone.

A largura extrema da razão de aspecto favorece tomadas externas e a captura da paisagem como um personagem da trama. Por isso, depois que o filme se encerra na estalagem, ela poderia ser desperdiçada nas mãos de um diretor menos habilidoso, mas continua servindo ao propósito narrativo aqui. O cenário, construído com muitos móveis entulhados de pequenos objetos, é desvelado ao espectador em detalhes. Mas, mais que isso, essa razão permite a observação de ações paralelas durante os diálogos. A profundidade de campo também é explorada de maneira sugestiva e interessante e o terceiro ato, especificamente, tem uma sequência em que ela é utilizada de maneira alternada com o foco em dois personagens, em um momento de negociação que funciona muito bem.

As referências, como em outros filmes do diretor, são várias. Do grupo heterogêneo em No Tempo das Diligências, passando pelo ameaça interna, ambientação e alguns detalhes provenientes de O Enigma de Outro Mundo até chegar na auto-referência em relação a Cães de Aluguel.

São os diálogos, como já mencionado, que seguram e desenrolam lentamente o filme. O isolamento alimenta a tensão entre os personagens, que é pautada nos conflitos já existentes nesses Estados Unidos pós-Guerra da Secessão. Em cena há representantes da União e dos Confederados. Temos um homem da lei, militares e uma fora-da-lei. Há questões de classe social e também de migração. A sociedade americana está representada no pequeno grupo composto por oito pessoas. Mas o mais importante: ele escancara os conflitos étnico-raciais e de gênero. O racismo torna-se o foco principal. Homens brancos destratando homens negros, destratando homens latinos e todos odiando todos.

E nesse ponto Tarantino perde a mão. Parece que tentou rebater as críticas, especialmente do também diretor e roteirista Spike Lee, de que ele aborda questões raciais de maneira insensível. Mas o fez de maneira a demonstrar ainda mais a falta de cuidado com que trata o tema. O filme não precisa ter caráter de crítica social, mas é isso que ele propõe ao colocar frente a frente Warren, um ex-militar negro, e sulistas racistas e confederados. Na verdade, Tarantino já havia feito coisa similar ao confrontar um grupo de mulheres e um stalker misógino em À Prova de Morte, judeus e nazistas em Bastardos Inglórios e um homem negro escravizado e liberto e escravistas em Django Livre.

Por isso a quantidade de vezes que seus personagens falam “nigger”, expressão de cunho racista, é desconfortável. Sim, todos eles são pessoas desagradáveis e o desenvolvimento deles torna isso claro. Mas as falas são colocadas sem crítica e sem ironia, permitindo uma ambiguidade perigosa ao texto.

O mesmo ocorre, em relação a gênero, especialmente com o tratamento conferido a Daisy. O fato de o diretor se apresentar como aliado de causas anti-racistas e feministas o exime de autocrítica? Daisy é apresentada como assassina, mas seus crimes não são deixados claros. Como outros, ela profere injúrias racistas, mas por estar acorrentada, não pode reagir àqueles ao seu redor de forma violenta. Mesmo que reagisse de alguma forma, é patente que todos os demais tem um prazer especial em dirigir seus atos violentos a ela. Os homens em cena repetidamente a chamam de vadia e empilham a violência física. Sangue é derramado, dentes se vão, seu rosto e cabelos são cobertos por pedaços de outros seres humanos, mas não é dado a ela a chance de se limpar ou de se apresentar humana como os demais. Há um certo prazer na forma lenta como ela é torturada. O mesmo ocorre com as demais personagens femininas, reveladas em flashback.

Aí também questiono porque o diretor tem tanto apelo entre o grande público e o que esse mesmo está entendendo sobre o que assiste em seus filmes. Toda cena que envolvia algum personagem duvidando que Warren, por ser negro, tivesse uma carta escrita de próprio punho por Lincoln, foi recebida com grandes gargalhadas pela plateia. Cada soco desferido no rosto de Daisy foi recebido com vibrações, risadas e exclamações dizendo “Esse é o Tarantino” e “Tarantino é foda”. Com o tratamento ambíguo dado ao texto, o discurso é comprado de forma literal e a tortura vira pornografia que deleita um espectador que compactua com os preconceitos e opressões apresentados.

Assim, o terceiro ato do filme se perde ao se transformar em um banho de sangue que não tem o propósito de comentar nada em específico: serve apenas como catarse para o isolamento dos personagens. Violência é esperada nos filmes de Tarantino, mas a falta de uma amarração faz com que ela enfraqueça o restante do texto. As alianças mudam e os comentários a respeito do racismo são esquecidos. E se nos seus filmes anteriores citados aqui o confronto final era a realização de um sonho de vingança violenta de uma minoria oprimida em relação aos seus opressores, a cena final desse torna-se uma aberração discursiva que não se encaixa nessa lógica. Homens brancos e negros, sulistas e nortistas, se juntam com o intuito de dar a última palavra e dominar a mulher, unidos no mesmo sorriso de escárnio. O que Tarantino tenta dizer? Qual é a conclusão que se espera que tenhamos diante dessa cena, no contexto de sua obra?

Os Oito Odiados não parece ter suas quase três horas de duração. Tem uma bela fotografia e uma trilha sonora competente, com atuação forte de todo o seu elenco, direção de arte impecável e diálogos bem escritos. O filme peca no terceiro ato porque Tarantino parece esquecer que o pastiche pós-moderno que lhe é tão querido só funciona com o uso de ironia para clarear os discursos. Mas mesmo assim é um filme interessante e visualmente bonito.

3,5estrelas

thehateful8-teaser-poster

Share

A Very Murray Christmas (2015)

A Netflix continua minerando os dados de seus usuários e, de alguma forma, chegou conclusão que as pessoas que se interessam por filmes da Sofia Coppola e Bill Murray (posssivelmente Encontros e Desencontros?) também gostam de especiais de Natal. É isso mesmo? Bom, de qualquer forma o serviço de streaming produziu A Very Murray Christmas, um musical de temática natalina dirigido por Coppola e estrelado por Murray. O ator interpreta uma versão dele mesmo, rabugento e antissocial, que faria um show especial, mas vê sua platéia vazia graças a uma enorme tempestade de neve em Nova York. Isolado no hotel em que o espetáculo ocorreria juntamente com alguns hóspedes e funcionários, ele resolve reunir todos no salão para que possam banquetear com as comidas de um casamento que foi cancelado.

O que se segue é um constrangedor karaokê de pessoas famosas. O elenco impressiona: Chris Rock, Amy Poehler, Maya Rudolph, Rashida Jones, Michael Cera, George Clooney, Jason Schwartzman, entre outros, intercalam gags sem timing cômico com canções de Natal.

Com o desenrolar do filme a dinâmica entre os convidados parece assentar um pouco melhor, até chegar em uma sequência de sonho em que Murray faz um dueto com Miley Cyrus. As músicas escolhidas são Sleigh Ride, Noite Feliz Let it Snow e o resultado é o melhor número dentre os apresentados. Mas logo em seguida vem a embaroçosa Santa Claus Wants Some Lovin, com George Clooney e tudo volta ao desconforto anterior.

É possível que muitas pessoas apreciem músicas natalinas. Elas costumam carregar uma certa melancolia que casa com o ar nostálgico vinculado ao final de ano. Especiais de Natal recheados de celebridades tentando conferir um ar de carinho e união às Festas são tradicionais. Tentar fazer graça com esse tipo de programa e de canção pode ser bastante difícil e A Very Murray Christmas falha ao tentar satiriza-los sem alcançar a notas certas de humor, tornando-se, por fim, quase tão enfadonho quanto o material original.

2estrelas

A-Very-Murray-Christmas_poster

 

 

Share

Magic Mike XXL (2015)

Sequência do filme Magic Mike, de 2012, dirigido por Steven Soderbergh, Magic Mike XXL chegou aos cinemas com direção de Gregory Jacobs e com Soderbergh responsável pela fotografia. O primeiro, parcialmente baseado nas experiências do ator Chaning Tatum como dançarino, atraiu uma multidão aos cinemas e arrecadou mais de 15 vezes o que custou, nos Estados Unidos. A sequência, portanto era certa. Acontece que o público que procurou um filme protagonizado por homens strippers (desculpe, male entertainers”)  encontrou nele uma tentativa de romance convencional, um conto de alerta sobre o mundo das drogas nos bastidores do mercado do sexo e um retrato da exploração da mão de obra no mesmo. Os envolvidos tentaram criar um “filme sério”, apesar da temática. Foi um bom, filme? Foi. Mas talvez não exatamente o que era esperado.

Já essa sequência, liberta dessas amarras, parece ter levado mais em conta as expectativas do público: Mike (Channing Tatum) não está mais namorando e os negócios na indústria moveleira, pela qual ele abandonou os palcos no final do primeiro filme, não vão tão bem como o esperado. Dallas (Matthew McConaughey) foi embora do país. Mike, Big Dick Richie (Joe Manganiello), Tarzan (Kevin Nash), Tito (Adam Rodriguez) e Ken (Matt Bomer) estão de volta para uma última apresentação em uma convenção de strippers e decidem que ela vai refletir suas reais vontades, afinal, nenhum deles nunca quis ser um bombeiro ou um policial. O filme possui uma estrutura de road movie aliado ao de assalto ao banco, em que cada personagem trabalha com seu forte pelo bem do grupo. Dessa vez o moralismo presente no primeiro foi deixado de lado: o bom humor predomina e o ponto central do filme são as cenas de dança. Dança, sim, pois os personagens mais parecem dançarinos em suas performances do que strippers propriamente ditos. Em sua jornada, mais importa a interação entre o grupo e a alegria em se apresentar do que a performance em si. Talvez por isso os números finais, discutidos com tanto carinho ao longo do filme, não sejam os melhores: isso não é mais relevante.

O ponto forte do filme é como ele mostra seus protagonistas não mais soterrados em problemas de trabalho, mas encarando-o com bom humor e como uma possibilidade de proporcionar alegria e auto-estima às mulheres. Em determinado momento, dois personagens conversam jocosamente sobre serem como curandeiros. Não é por acaso que a melhor cena, que já está no trailer, é aquela em que Richie, inseguro quanto às suas próprias capacidade, é desafiado pelos demais a fazer uma mulher sorrir. A escolhida trabalha no caixa de um mercadinho de beira de estrada e a técnica é uma dança ao som de Backstreet Boys, realizada enquanto os demais incentivam e comemoram do lado de fora da vitrine. Em outro momento do filme, os rapazes invadem, sem saber, um encontro de amigas, todas mulheres mais velhas, com idade para ter filhas adolescentes, lideradas por Nancy (Andie MacDowell). Nesse momento o foco da conversa é sobre o pouco cuidado que os homens de suas vidas tem com o prazer e a expressão da sexualidade delas. O tempo inteiro o grupo fala sobre a necessidade de dar às mulheres o que elas querem.

Se por um lado a abordagem nesse sentido é divertida e bastante aberta e o grupo sempre fala que é preciso pensar nas mulheres e nas suas vontades, impressiona o quão pouca voz elas realmente tem. Com exceção da apresentadora Rome (Jada Pinkett Smith), de Zoe (Amber Heard), uma fotógrafa que encontram pelo caminho e a já citada Nancy, poucas das mulheres retratadas se expressam. Isso em uma obra que buscou mostrar diversidade étnica, de idade e de forma física entre elas.

Rome é uma boa substituta para Dallas e tem boa desenvoltura e expressividade. (É preciso ter nome de cidade para ser mestre de cerimônias?). Quando adentramos em seu clube, por exemplo, ela discursa sobre como suas frequentadoras são adoradas como deusas e rainhas: assim mesmo, na voz passiva. A essa massa de mulheres sem nome não é dado o momento de expressar seus desejos reais: são os performers que decidem o que elas querem e, na visão deles, parece que toda mulher quer que um homem a jogue no chão e rebole a pélvis muito próximo de seu rosto. Muitas dessas espectadoras são utilizadas como acessórios ou mesmo móveis (mesas e cadeiras) de apoio nos números dos homens. Em uma cena perto do final, Zoe é chamada por Mike para cima do palco e mesmo tendo negado veementemente, é levada até lá e literalmente jogada ao ar e rodopiada no chão em um número bastante acrobático. Se os strippers  devem fazer o que as mulheres querem, por que não perguntam o que seria isso e não respeitam uma negativa?

Por outro lado, a trama se preocupa em desvelar o lado romântico dos rapazes. Big Dick Richie quer encontrar uma companheira que aceite a anatomia avantajada que lhe conferiu o apelido; Tarzan afirma que largaria sem pestanejar essa profissão se encontrasse uma mulher que quisesse se casar com ele; Mike lida com a decepção do fim do relacionamento anterior; e Richie, novamente tem como sonho fazer uma apresentação em que simula um casamento no palco. Essa última apresentação seria, como as anteriores, um representativo do que as mulheres que os assistem gostariam de ter. Mas os demais itens existem porque é isso que os responsáveis pelo filme imaginam que o público feminino dele deseja: um lado sensível e romântico para nossos heróis performáticos. Mas será?

Em um ano em que o filme 50 Tons de Cinza gerou tanta discussão e muito se falou sobre consentimento, Magic Mike XXL vem sendo aplaudido por uma abordagem feminista. A variedade mulheres representadas é uma surpresa agradável em um filme protagonizado por um grupo numeroso de homens. A forma como elas são incentivadas a explorarem sua sexualidade e seus desejos de maneira aberta, ao mesmo tempo em que os homens, ainda que em um contexto heteronormativo, são repreendidos por não se preocuparem com o prazer delas, é bastante positiva. Mas em se tratando se “fazer a vontade das mulheres”, talvez faltou a percepção de que “mulheres” é um grupo heterogêneo, que implica nos mais diversos desejos, que podem ou não ser abarcados pelo que foi mostrado no filme. De qualquer forma, as que aparecem em cena não são perguntadas sobre suas vontades e nem dão consentimento explícito, a não ser que se considere que ele seja expresso na compra do ingresso do show, aceitando o que dele vier. O irônico disso tudo é que se “as mulheres”, ao invés de serem adoradas (na voz passiva), se expressassem (na voz ativa), talvez os roteiristas, os produtores, o diretor, os atores principais (todos homens) pudessem ter uma melhor percepção da realidade nesse sentido.

Dito isso, quando se preocupa menos em pregar um discurso que nem sempre é capaz de seguir e mais em divertir sem amarras, Magic Mike XXL é um um filme delicioso. A dinâmica do relacionamento entre os cinco personagens é ótima, ainda que alguns merecessem mais desenvolvimento. O humor é leve e funciona como deve e Chaning Tatum dança muito bem. O controle que ele possui sobre sua própria fisicalidade é impressionante. O tom desse filme está mais de acordo com a temática escolhida. Quem sabe em um verão futuro não seja lançado um Magic Mike 3 que confira mais agência às suas personagens femininas?

3,5estrelas

CONT_Artwork.indd

 

 

 

 

 

 

 

Share

Figurino: Quanto Mais Quente Melhor

Texto originalmente publicado na coluna Vestindo o Filme.

Bem, ninguém é perfeito!

Lançada em 1959 e dirigida por Billy Wilder, Quanto Mais Quente Melhor é considerada uma das melhores comédias de todos os tempos. A trama é bastante simples: na Chicago de 1929, Jerry (Jack Lemmon) e Joe (Tony Curtis), dois músicos com problemas financeiros, testemunham uma matança perpetrada pela máfia. Para fugir da queima de arquivo que viria a seguir, adotam os nomes “Daphne” e “Josephine” e juntam-se a uma banda composta só por mulheres. Lá eles conhecem a encantadora cantora Sugar (Marylin Monroe) e o grupo segue para uma série de apresentações na Flórida. A simplicidade do conceito ganha vida no talento e carisma do trio de atores principais e na direção precisa de Wilder. Os trajes presentes no filme, desenhados pelo figurinista veterano Orry-Kelly, renderam ao filme seu único Oscar, de figurino em preto e branco.

000

Logo à primeira vista é possível perceber, através das roupas de Daphne e Josephine, suas personalidades dissonantes. A primeira, com casaco de oncinha (estampa que pode passar uma imagem provocativa e pouco convencional) e vestido com gola em babados delicados, é divertida, extrovertida e meiga. Já a segunda, ornada em peles e com a gola em zigue-zague (gerando um visual espinhoso), é ao mesmo tempo clássica, elegante e ácida. Esta elegância é complementada pelo biquinho sempre flutuando em seus lábios.

001

A moda feminina da década de 1920 foi caraterizada pelo visual andrógino: os cabelos ficaram curtos e o corpo ideal era magro e sem curvas. Para realçar essa forma, os trajes se tornaram retos, com a cintura baixa, deslocada na altura do quadril de maneira a esconder as formas. O comprimento ainda era abaixo do joelho. Como acessórios, colares compridos, que ajudavam a ressaltar a silhueta longilínea, e o cloche, chapéu em formato de sino.

Ilustrações que retratam a moda da época.

Ilustrações que retratam a moda da época.

Saindo da neve de Chicago para a beira da praia, Geraldine e Daphne usam roupas claras que seguem essas características e que, portanto, ajudam a disfarçar seu porte físico. É interessante ver os detalhes das peças em fotos promocionais coloridas.

04

Foto de divulgação do filme, que captura o figurino em cores.

003

Já para as apresentações da banda, seus trajes são escuros, repletos de bordados e acompanhados por muitos acessórios, como as demais participantes da banda. Em certa cena é possível ver que a liga da meia de Daphne se posiciona logo acima de seu joelho, ao invés de no meio da coxa, devido à sua estatura elevada para padrões femininos.

005

A primeira aparição de Sugar já é bombástica: seu vestido justo de cetim preto abraça seu corpo, delineando as curvas. A barra possui franjas, como uma tentativa de marcar o período retratado. Essa é uma constante de seu figurino: os trajes são justos, fugindo do tradicional, com pequenos detalhes como fios de contas e franjas. Um vestido similar ao que se utilizava no período não cairia bem nas formas voluptuosas de Marylin Monroe, já que essa moda não primava por elas. O contraste entre ela e as outras protagonistas é grande.

006

Dois de seus trajes, quase idênticos, se destacam pela ousadia. Ambos possuem o colo confeccionado em uma espécie de tule, com aplicação de bordados estratégica sobre os seios. O de cor clara, tem o decote nas costas até a linha da cintura, mas o escuro vai ainda mais fundo, com um adorno arrematando o acabamento. O primeiro é mostrado em um número musical em que só o rosto de Sugar é iluminado, mas o segundo pode ser visto em detalhes. Embora o Código de Produção, que funcionava como uma espécie de censura, já estivesse em declínio na época, o uso desses trajes não deixa de ser uma escolha corajosa. De qualquer forma, a sensualidade deles é quebrada justamente pelo comportamento da personagem, sempre doce e inocente. A transparência pode ser lida como parte de sua vulnerabilidade.

007

Joe utiliza a roupa como disfarce uma segunda vez: veste um conjunto com referências marítimas para passar-se por um dono de iate milionário e tentar seduzir Sugar.

008

Daphne também tem seu pretendente: Osgood Fielding III (Joe E. Brown). Em sua primeira aparição, quando a vê pela primeira vez, ele veste um tipo de calça muito popular naquela época, chamada em inglês de “knickerbocker”, ou simplesmente “knickers” (sem tradução para o português). A modelagem era ampla e terminava de forma ajustada logo abaixo do joelho. Para contextualizar, é o mesmo modelo utilizado pelo personagem Tintim, cujo primeiro quadrinho foi lançado justamente em 1929.

009

Tintim, famoso repórter dos quadrinhos criados por Hergé, cuja primeira história foi publicada em 1929.

Tintim, famoso repórter dos quadrinhos criados por Hergé, cuja primeira história foi publicada em 1929.

O chefe da máfia local de Chicago, que queria a morte dos dois protagonistas, é chamado de Spats (George Raft), polainas em inglês. O acessório, utilizado para cobrir os sapatos masculinos, é sua marca registrada e é sempre a primeira parte dele a aparecer em cena. Isso conota um comportamento às antigas, uma vez que seu uso já não era comum. Essa característica também fica patente em suas roupas. Enquanto seus capangas vestem paletós de lapelas largas, antecipando as formas amplas da moda masculina da década de 1930, os seus sempre possuem lapelas estreitas. Raft, que tem importante participação no Scarface de 1932 é utilizado como ponte para uma série de referências aos filmes de gângsteres de então. Dito isso, todos são retratados dentro do ideário clássico de mafioso, bem vestido e usando chapéu fedora.

011

É graças fato de que vai retocar a maquiagem, parte de sua montagem e disfarce, que Daphne percebe que seus perseguidores estão no mesmo hotel, o que desencadeia as perseguições finais.

012

Bem realizado enquanto retrato de época, desafiador e engraçado, Quanto Mais Quente Melhor é uma comédia deliciosa. Os figurinos são essenciais para a composição não só dos personagens, como de situações cômicas que integram a trama. E a cena final é, até hoje, uma das mais engraçadas da história do cinema.

013

Share

Enquanto Somos Jovens (While We’re Young, 2014)

“He’s not evil, he’s just… young”.

Não sou nenhuma especialista em mumblecore, movimento de onde saiu Noah Baumbach, diretor de Enquanto Somos Jovens. Mas mesmo sem ter muito referencial sobre esse contexto, o pouco que vi, gostei. Antes desse filme só havia assistido a Frances Ha, um filme com o qual me identifiquei muito. E aqui novamente ele consegue facilmente  criar empatia entre expectador e personagens, graças a construção bastante humana destes.

Dessa vez os protagonistas são quatro: Josh (Ben Stiller) e Cornelia (Naomi Watts) um casal de quarentões; e Jamie (Adam Driver) e Darby (amanda Seyfried), jovens de vinte e poucos anos. O contraste é preciso. Os primeiros vivem em um mundo pacato, em que seus amigos já tem filhos e suas vidas não passam mais por grandes mudanças. Já os outros vivem uma vida repleta de atividades intensas e novidades. Para a geração mais velha, a tecnologia é algo que foi aos poucos entrando em sua vida e dela faz parte. A geração mais nova, que se tornou adulta após a crise de 2008 nos Estados Unidos, tem apego pelo retrô, como a máquina de escrever, o vinil e as roupas de brechó, bem como por uma atitude de faça-você-mesmo que se impregna até mesmo no mobiliário ou na vida profissional (Darby, por exemplo, faz sorvetes artesanais). Novamente, é difícil não comparar a vivência deles com o que é mostrado no seriado Girls, escrito e estrelado por Lena Dunha para a HBO.

(Abro um parênteses para dizer que, enquanto “trintona”, é difícil também não pensar no que tenho em comum com ambos os lados. Se por uma lado amigos casam, têm filhos, e carreiras estabelecidas, certas atitudes inconsequentes dos mais jovens já me cansam e a tecnologia se infiltrou em minha vida e me fez ter pouco apego às coisas físicas – filmes e músicas são digitais e livros, embora os tenha, prefiro comprar eletrônicos, em virtude do espaço-; por outro o fazer com as próprias mãos -roupas e outras costuras, objetos de decoração e até móveis, com ajuda de mais gente- tem apelo para mim. Voltando…)

Para os mais velhos, esse estilo de vida desapegado, em que tudo pode virar outra coisa e as mentes estão abertas para outras experiências, pode ser muito sedutor. Mas o fato é que toda geração estranha aquela mais velha que a sua, mas também repreende a mais jovem. É por isso que Josh se sente julgado por seu sogro, que assim como ele, é documentarista. O ponto forte do filme está justamente aí: quando ele explora os conflitos geracionais e dificuldade de cada um em entender o que outro pensa e sente.

Dessa forma, a trama se perde quando tenta personalizar determinados hábitos, para então vilaniza-los. O que até então se apresentava como diferença de idade, passa a ser diferença de caráter. Além disso, uma sequência que envolve uma festa com consumo de ayahusca parece desconectada do resto da narrativa, pois apela para um humor barato, beirando o escatológico e não traz grandes revelações a respeito dos envolvidos.

Mas, como um todo, o filme funciona: é divertido e leve. Talvez não seja, como Frances Ha, um retrato tão pungente de um período da história e das vidas de pessoas comuns, mas ainda assim é construído com sensibilidade na medida certa.

3,5estrelas

while-were-young-poster

 

Share