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A Bela e a Fera (Beauty and the Beast, 2017)

Como já diria a canção, um conto tão antigo quanto o próprio tempo: apesar de improvável dois jovens se apaixonam. Em mais uma recriação com atores de uma de suas animações clássicas, a Disney traz ao público novamente A Bela e Fera, dessa vez dirigido por Bill Condon. O pontapé inicial da trama já é conhecida do público: uma feiticeira disfarçada de idosa oferece uma rosa em troca de abrigo a um príncipe em seu castelo. Ele, repudiando a aparência da mulher, expulsa-a e é punido com sua transformação em uma besta de aparência feroz, para que aprenda que a beleza é encontrada internamente. O feitiço só é quebrado se alguém se apaixonar por ele antes que a última pétala da rosa caia.

O primeiro número musical, utilizando uma canção original da animação, já puxa o espectador para dentro da história. Intenso, melódico, colorido e bonito de ver, nele somos apresentados à aldeia de Bela (Emma Watson), e ao seu hábito de leitura, estranhado por muitos. Com quase quarenta minutos de duração a mais, o filme dá conta de explicar detalhes pouco explorados ou ignorados na animação. Um deles é o fato de que a escola da cidade só aceita meninos, o que significa que provavelmente as demais moças são analfabetas. Bela canta que não quer saber dessa vida provinciana, julgando quem a rodeia, mas não parece se dar conta que para a maior parte deles essa não é uma escolha, é o que há. Além disso, sustenta-se aqui uma oposição ultrapassada entre vaidade e intelectualidade: Bela considera-se diferente das outras garotas porque ela lê. Apenas três outras jovens aparecem com destaque, sempre refestelando-se em trajes e maquiagens ridículas. A personagem é construída para nos vender a ideia de que ela é especial por não ter interesse nessas banalidades (ainda que sempre impecavelmente vestida e maquiada, apenas não mostrada no processo de obtenção de sua boa aparência).

Mas se o estereótipo do “eu não sou como as outras garotas” poderia ter sido deixado de lado, pelo menos a mal-fadada síndrome de Estocolmo pela qual a personagem passa em tantas versões aqui foi atenuada. Bela tem muito mais autonomia e expressa constantemente suas opiniões e, por outro lado, a Fera (Dan Stevens, de Downton Abbey) é muito menos odiosa. Há até mesmo uma tentativa de justificar seu comportamento com um passado triste descortinado em flashback. Não é muito convincente, mas o fato é que, após a grosseria inicial, ele é mais aberto ao diálogo e ambos têm na literatura um interesse em comum. Dessa forma, o romance se parece mais justificado.

Se o rosto de CGI da Fera nem sempre convence, por outro lado tanto a aparência quanto a interpretação dos objetos da casa são maravilhosos. e assim reencontramos Lumière (Ewan McGregor, inspiradíssimo), Cogsworth (Ian McKellen), Mrs. Potts (Emma Thompson), Madame Garderobe (Audra McDonald), Maestro Cadenza (Stanley Tucci) e Plumette (Gugu Mbatha-Raw), trazendo magia à história. Em meio a um elenco estelar, Luke Evans rouba a cena com seu Gaston canastrão, auto-confiante e involuntariamente engraçado. Infelizmente o personagem demonstra maldade maior nessa versão, provavelmente para amenizar a percepção que temos da Fera. Já o LeFou de Josh Gad é engraçado e não tem papas na língua, sendo sua participação ampliada. É uma pena que, propagandeado como o primeiro personagem abertamente LGBT da Disney, na verdade seja estereotipado, mantido no armário, sem direito a uma história própria e tendo os vislumbres de sua sexualidade utilizados como fonte de humor. Impressiona que isso possa ser considerada um avanço em se tratando de um filme infantil do estúdio. Mas como vilão e ajudante, ambos funcionam muito bem e tem boas sequências e diálogos juntos.

Mas para além de alguns problemas de atualização de roteiro, o que mais encanta no filme é seu visual. Além da direção de arte que esbanja cores, destaca-se o figurino de Jacqueline Durran. As roupas de Bela, especificamente, são trabalhadas majoritariamente em azul, branco e vermelho, sempre com uma cor contrastando em pequenos elementos com a outra. Destacam-se primeiro três conjuntos: um simples com avental que usa em casa, um com corpete bordado de flores e detalhes azuis já no palácio da Fera e depois um traje vermelho e capa da mesma cor, quando passeia no jardim. Os tons de azul a ligam à própria Fera, pois essa é a cor de seu traje. Por fim, há um belíssimo vestido amarelo com apliques de flores, que remete ao original da animação. O vestido do baile final também é coberto com detalhes florais. Todas esses elementos da flora remetem tematicamente à própria rosa da maldição.

Com uma estética apurada, um elenco competente, músicas vigorosas e roupas bonitas, A Bela e a Fera é visualmente impressionante, encanta, enche os olhos e diverte. Nem tudo são acertos, mas com uma narrativa repaginada, tornando a Fera mais humana e a Bela mais plena em agência, o filme consegue se traduzir de maneira mais adequada às audiências contemporâneas.

 

 

 

Animais Fantásticos e Onde Habitam (Fantastic Beast and Where to Find Them, 2016)

Baseado no livro didático ficcional com o mesmo nome utilizado na Escola de Magia Hogwarts, Animais Fantásticos e Onde Habitam chega aos cinemas com a promessa de ampliar o universo de Harry Potter por mais alguns anos, uma vez que serão mais cinco filmes para a franquia. Para essa nova aventura somos apresentados a Newt Scamander (Eddie Redmayne), um jovem bruxo que chega à cidade de Nova York e que se dedica a viajar pelo mundo coletando criaturas mágicas, tentando ensinar a seus colegas que elas devem ser preservadas. David Yates retorna à direção, em seu quinto filme na série, dessa vez acompanhado da própria J. K. Rowling, autora dos livros originais, como roteirista.

A narrativa aposta no teor cômico e arranca risadas fáceis da plateia. Mas isso acontece apesar de seu protagonista. Eddie Redmayne entrega a sua tradicional atuação com torcicolo: o pescoço duro, a cabeça de lado, o tronco levemente inclinado, somados a muitos trejeitos. Scamander é um personagem que em outras mãos, com o perdão da expressão, poderia ter sido mágico, mas aqui aparece sem carisma e sem personalidade. Para sorte de quem se interessou pela história, sobra simpatia pelos personagens secundários: as irmãs bruxas Portentina “Tina” (Katherine Waterston) e Queenie Goldenstein (Alison Sudol), cada uma com suas particularidades, despertam simpatia e o trouxa (ou não-maj, como são chamados nos Estados Unidos) Jacob Kowalski (Dan Fogler) é puro charme e rouba a cena quando aparece. Além deles, os próprios bichos de computação gráfica tem seus bons momentos, embora algumas barrigas no roteiro os utilizem de maneira repetitiva em certas situações.

Em se tratando de antagonistas, o vilão menor que se revela não engaja e é previsível, mas é dado o pontapé inicial para um arco de ascensão que possivelmente vai tomar todos os filmes. Com isso, as discussões políticas e as questões de direitos humanos que são delineadas de maneira tangencial nos filmes e livros anteriores, voltam a aparecer.

Mas em se tratando do universo de Harry Potter, o que encanta mesmo o espectador é a magia. O visual do filme é apurado e Colleen Atwood acerta novamente no figurino, criando uma década de 1920 ao mesmo tempo coerente com o período histórico e com um toque de excentricidade adequado à fantasia. E se Nova York é uma cidade em tons de cinza, o azul e o ocre utilizados por Scamander funcionam não só para destacá-lo como protagonista como para estabelecê-lo como um personagem excêntrico nesse contexto. Já as irmãs Goldstein são lindamente contrastadas: a trabalhadora Tina com suas calças largas e blusas de algodão amarfanhadas e a romântica Queenie com vestidos fluidos de cetim em tons pálidos de rosa, que remetem à camisolas ou lingerie. Somam-se a esses elementos bem explorados a trilha sonora, também muito bonita, e temos uma ambientação certeira e capaz de nos transportar para o universo diegético.

Animais Fantásticos e Onde Habitam não é um filme inovador e nem tem um protagonista que engaje o espectador, mas isso é compensado pela atmosfera divertida, pelo conjunto do elenco e pela direção de arte competente. Resta saber se isso é o suficiente para manter o interesse do público pelos anos que temos em frente.

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Cinderela (Cinderella, 2015)

Na onda dos remakes e reimaginações de contos de fadas (como Malévola), Cinderela, versão live action da famoso conto de Perraut, se mostra mais tradicional em sua abordagem, mas isso não necessariamente é ruim. Dirigido por Kenneth Branagh, a história é praticamente idêntica àquela que os próprios Estúdios Disney, responsáveis pelo filme, produziram em animação em 1950. A jovem protagonista, aqui chamada de Ella (Lily James) perde a mãe ainda muito cedo. O pai se casa novamente e além da Madrasta (Cate Blanchett), ela ganha duas irmãs, Drisella (Sophie McShera) e Anastasia (Holliday Granger). Com a morte do pai e perda da renda da família, Ella passa a servir as demais.

O mote do filme, repetido talvez de forma excessiva, é “tenha coragem e seja gentil”. A frase foi dita à personagem principal por sua mãe antes morrer. Seguindo essa ideia, Ella continua vivendo na casa que pertenceu aos seus pais, a despeito do tratamento recebido, uma vez que o local lhe traz boas lembranças. Jamais é vingativa com suas irmãs e madrasta, o que pode ser visto por muitos como uma fraqueza, mas na verdade é maneira da personagem se mostrar resiliente.

É importante, especialmente para as meninas, que as histórias infantis tenham protagonista aventureiras como Anna e Elsa, em Frozen e Rapunzel, em Enrolados; ou guerreiras como Mérida, em Valente e Mulan, no filme homônimo. Isso mostra opções de realidade que eram vetadas a elas até pouco tempo e comportamentos que geralmente são deixadas de lado na sua criação. Mas por outro lado não há nada de errado com atributos tradicionalmente tidos como femininos, como a bondade. Pelo contrário, precisamos parar de negativar elementos que são entendidos como femininos em nossa sociedade. No final se cai em um discurso machista novamente, em que só as personagens que têm características que a sociedade entende como masculinas são valorizadas e o que é tido como feminino é hostilizado. As crianças, de todos os gêneros, deveriam ter as duas opções, a doçura e a valentia, como modelos de comportamento. Afinal, a coragem pode de manifestar de formas diferentes na realidade das pessoas.

Dito isso, o filme funciona bem enquanto desligamos as críticas sociais (o quê? ela é tratada como serva, mas ganha servos para ir ao baile? O palácio tem toda essa riqueza, mas e o resto da população?). Elas realmente não vêm ao caso nesse contexto da história e, ignorando esse fator, ela funciona bem.

Se por um lado Cate Blanchett rouba a cena como a Madrasta, por outro Richard Madden, que interpreta Kit, o príncipe, parece feito de plástico com a aparência que lhe deram. Os cabelos alisados e os dentes excessivamente brancos são artificiais demais. Apesar disso a produção do filme é caprichada, com cenários e figurinos deslumbrantes e bom uso de CGI (embora às vezes um pouco exagerado).

O romance entre Ella e Kit é crível e bastante inocente e a sequência do baile seguida pela sua transformação de volta ao normal ao badalar da meia noite é muito boa. Com seu vestido azul cheio de camadas, que se move de forma suave e bonita, Cinderela se destaca em meio aos demais convidados do baile. A riqueza de detalhes na composição dos figurantes funciona ao realçar ainda mais a sua presença. Mas a beleza não é seu atributo mais valorizado. Sua irmã Anastasia, por exemplo, é considerada mais bonita. O que a diferencia é justamente o fato de tentar se apegar aos ditames da mãe e ter coragem para enfrentar seu cotidiano e gentileza ao lidar com aqueles que estão ao seu redor.

O conto de fadas mais popular e mais adaptado de todos é refeito, aqui, de forma bastante bonita. Não há nada de novo, mas nem sempre há algo de errado com a velha mágica.

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Para ler uma análise detalhada do figurino do filme, acesse aqui.

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Livro: Deuses Americanos, de Neil Gaiman

Tenho por Neil Gaiman um grande apreço, já que Sandman é uma das obras literárias mais fantásticas que já tive o prazer de ler, e trata-se “apenas” de quadrinhos. Nunca havia lido nenhum de seus romances, mas tinha uma certa expectativa, pois muitas pessoas os recomendavam e gosto do clima dos filmes adaptados de seus livros (Stardust- O Mistério da Estrela e Coraline). Foi assim que resolvi ler Deuses Americanos, um de seus livros mais famosos. Optei pela edição de décimo aniversário, no idioma original e devo dizer que fiquei bastante decepcionada.

O protagonista é Shadow, um homem que sai da cadeia apenas para descobrir que sua esposa faleceu e que está sozinho no mundo. Wednesday, um senhor mais velho, oferece-lhe a chance de trabalhar para ele como motorista, segurança e faz tudo. Acontece que como o nome já indica, Wednesday é Odin, o deus maior da mitologia nórdica. Shadow aceita tal fato prontamente. O mundo está em conflito: os deuses antigos procuram por espaço e tentam se manter adorados, pois dependem da crença em sua existência para continuarem vivendo. Novos deuses estão surgindo e tomando seu lugar: deuses de mídia, de dinheiro, de internet.

Aí fica uma pergunta: o que Gaiman pretende com essa premissa? Deveríamos ter pena dos deuses do passado? E veja que eu ele não tem coragem suficiente para colocar Yahveh ou seu filho-carpinteiro entre as demais divindades míticas. Por outro lado, o que ele apresenta como o contraponto moderno a essas formas de religiosidade não funciona dessa forma. Não há rituais, nem sacrifícios, nem preces à internet, à mídia e ao dinheiro. Talvez haja uma dependência em alguns momentos a alguns deles, mas isso também ocorre em relação a outros itens do nosso cotidiano e nem por isso eles são literalmente endeusados.

A trama do livro é bastante diluída. Várias vezes ao ser perguntada em que parte eu estava, tive dificuldade de especificar, pois a maior parte do tempo quase nada estava acontecendo na história. Mas o pior não é isso, é a total ausência de caracterização e desenvolvimento dos personagens. Todos eles são calados, sérios, pragmáticos, levemente misantropos e sem nada que os diferenciem psicologicamente. Saber fazer truques de mágica com moedas não é criação de personalidade na escrita. Por isso, quando eventualmente um ou outro morrem, não há o que sentir a respeito, visto que não os conhecemos ao longo das 560 páginas do livro. É muito texto para pouca definição. Em Sandman, Gaiman também lida com entidades mitológicas, mas elas são personalizadas, individualizadas e você passa, ao longo da trama, a entendê-las.

A escrita de Gaiman é rebuscada e bonita. Os contos que abrem capítulos, que relatam a chegada de diversos deuses às terras americanas, são interessantes. Um ou dois são verdadeiramente lindos. Mas em geral, eles não se conectam com o restante da narrativa e parecem tornar a leitura mais lenta.

Dizem que o livro será adaptado para um série de televisão. Pode ser que isso beneficie a história, pois uma boa adaptação pode adicionar camadas de personalidade a esses personagens tão bidimensionais e aproveitar-se da premissa, que é realmente boa. Deuses Americano mostrou-se um livro excessivamente prolixo para o pouco retorno emocional que promove.

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Malévola (Maleficent/ 2014)

Dando sequência a tendência de recontar contos de fadas conhecidos, desta vez é a própria Disney que o faz, utilizando como base sua animação A Bela Adormecida, de 1959, para então relatá-la sob o ponto de vista de Malévola, a vilã daquela versão. A animação, embora visualmente bastante bonita, com cenários e fundos modernos e uma bela trilha sonora, tem uma história que datou (se é que já não era datada ao ser lançada): princesa Aurora foi amaldiçoada por Malévola e morreria aos 16 anos. Foi presenteada por fadas-madrinha com o dom da beleza e do canto (quem precisa de outra coisa, não é mesmo?) e criada por três delas na floresta. As fadas tentam se adaptar a papéis tradicionalmente tidos como femininos (limpar, cozinhar e costurar) sem auxílio de mágica, mas com resultados duvidosos. Aurora pouco faz ou fala no filme, mas a tal beleza e canto são o suficiente para Príncipe Phillip querer salvá-la. E sobre Malévola, nada a seu respeito é contado, de forma que faltam motivações para toda a ação.

Na versão de 2014 Malévola começa como uma criança em um reino encantado com criaturas estranhas, fadas e ninguém para governar. Com cabelos soltos, chifres e longas asas plumadas, é uma criatura mágica que não parece ser ameaçadora. Desenvolve uma amizade com Stefan, uma criança humana que aos poucos se afasta, passando cada vez mais tempo com os seus companheiros de espécie. Já crescidos, Stefan (Sharlto Copley) reaproxima-se dela, aproveitando-se de sua amizade. Em um sono induzido por uma droga escondida em uma bebida, Malévola (Angelina Jolie) repousa seu corpo no chão e ao acordar percebe que suas belas asas haviam sido roubadas. Essa é uma das cenas de maior impacto no filme: Jolie imprime dor sem tamanho nos gritos de sua personagem e é possível sentir a agonia em seu corpo torturado quando levanta-se e busca apoio. Nunca esperei encontrar em um filme da Disney um retrato tão aberto de violência sexual em uma metáfora tão pouco oculta. É interessante que o conto original de Bela Adormecida termina quando esta acorda com o parto de bebês gêmeos, após ter sido estuprada por um príncipe. Nada de beijo de amor verdadeiro. Malévola não é, aqui, a vilã má e forte apenas por ser: seus atos se constroem sobre sua própria história de fragilidade. Quando fala “há mal nesse mundo” pode-se entender que não referencia ao amargor em seu coração, mas ao homem que roubou uma parte de si. Nada mais compreensível do que, após ter seu corpo violado por um humano em quem confiava, querer infligir dor a ele. E esse momento chega com a festa de batizado de princesa Aurora. O diálogo que se segue é idêntico ao da animação, com uma exceção: Malévola ordena que Stefan peça perdão, e com isso ela mesma altera a maldição, que não mais acarretaria no sono da morte, mas sim em um que seria despertado por um beijo de amor verdadeiro. Esse lampejo de esperanças para os pais é falso, visto que ela mesma frisa em certa hora que “não existe amor verdadeiro”. É uma questão importante para alguém que teve o amor traído.

O Rei Stefan parte da exuberância dos azuis e dourados para o traje negro de quem vive em eterna paranoia, pensando na proteção da filha. Já Malévola vai da criatura livre, descalça, pertencente a natureza, com longos cabelos soltos e vestidos fluidos marrons até uma vestida de negro, contida, que oculta seus cabelos em turbante com a aparência dura como carapaça e que ostenta claros sinais de perigo, como garras, dentes e pele de cobra em seus acessórios.

Sua trajetória se marca na mudança das estações: primavera na infância, verão na juventude, outono após ser violentada (perceba como ela escurece tudo ao seu redor) e por fim, inverno, quando Aurora já é uma jovem, alimentando animais na floresta, a quem sempre está a observar. (Ao fim do filme o calor faz-se novamente presente.)

Para fugir da maldição, Aurora (Elle Fanning) é criada na floresta por suas três fadas-madrinhas, Flora (Lesley Manville), Fauna (Juno Temple) e Primavera (Imelda Staunton). Alguma agência lhe é conferida: ela explora o entorno por conta própria e até mesmo decide partir para morar em outro lugar, mas está longe de ser o foco da trama. Elle Fanning é adorável como sempre e o papel não lhe exige muito mais do que isso. As duas protagonistas se encontram e ao contrário do que poderia se esperar (e do que Malévola esperava) Aurora não teme. A figura que surge das sombras para revelar-se a ela tem a mesma silhueta da personagem da animação.

Se a busca por lidar com o que lhe aconteceu através da vingança parece justificada no filme, é um pouco decepcionante que a redenção de Malévola venha de um suposto instinto maternal: ao proclamá-la livre e dona de suas ações, a Disney parece voltar atrás ao mostrar que maternidade e bondade estão intrinsecamente conectadas e que esse papel tradicional (socialmente delegado às mulheres) a salvaria. Isso é ainda mais preocupante quando a narração fala sobre sua infância como “a época em que tinha coração puro”. Ao ter sua confiança traída e seu corpo invadido, deixou de ter coração puro? A dicotomia clichê entre “santa e puta”, a primeira expressa na maternidade benevolente e a segunda na sua reação após os atos de Stefan, macula um pouco a própria mensagem do filme.

Ainda assim é poderoso novamente ver um filme voltado para crianças em que as mulheres não necessariamente precisam de homem ao seu lado para terem seu final feliz. Pode-se dizer que o desfecho é parecido demais com o da recente animação Frozen, mas ainda assim os dois configuram uma exceção tal em meio a tantos filmes infantis que é cedo demais para levantar a questão da previsibilidade. A pequena aparição de príncipe Phillip (Brenton Thwaites) serve para reforçar o quão estúpido é desejar que duas pessoas tão jovens e que mal se conhecem amem-se verdadeiramente.

Esse é o primeiro filme dirigido por Robert Stromberg, que antes trabalhava no departamento de arte, sendo responsável pelo de design de produção de filmes como Alice no País das Maravilhas e Oz: Mágico e Poderoso (este último com grande semelhança em termos estéticos com Malévola). Houve, em seu trabalho, uma certa indulgência com uso de CGI, que mostra-se excessiva no reino de Malévola e mesmo nas criaturas que lá habitam.

Angelina Jolie está impecável, parecendo que nasceu para o papel. Mesmo com as próteses que alteram as formas de seu rosto, nunca esteve tão bela. Outro destaque é o simpático corvo Diaval, interpretado por Sam Riley, que funciona bem como sidekick, seja em sua forma humana ou animal.

Apesar de vários pequenos problemas, Malévola é bom entretenimento, traz uma roupagem modernizada para uma história datada e levanta questões de gênero interessantes, embora algumas dessas talvez passem batidas para as crianças. A personagem-título é fascinante. Talvez tenha faltado alguma coragem para a Disney em adotar uma protagonista puramente má, que opta pela vilania apenas para ver o caos que daí vem. Por outro lado, como acontece com o filme de 1959, seria difícil entender a falta de motivação da personagem e nutrir empatia por ela. A construção que vemos é crível e humana, sendo ao mesmo tempo forte e vulnerável. Como um todo, o filme me surpreendeu positivamente.

 

Para ler a minha análise do figurino do filme, acesse aqui.

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