Alice Guy: Pioneira do Cinema

alice guy

Onde estão as mulheres invisibilizadas pela história? Muitas das mulheres que contribuíram para o avanço de artes e ciências são pouco lembradas pela historiografia. É o caso de Alice Guy-Blaché (1873- 1968), uma pioneira do cinema enquanto arte.

A maior parte de todos os filmes produzidos nos primeiros anos do cinema perderam-se irremediavelmente, por falta de conservação das películas. Depois de sua invenção pelos irmãos Lumiére, ele rapidamente se tornou um atrativo de feiras populares e um artefato de uso científico, utilizado pela Antropologia Visual. O filme era usado para registrar cenas do cotidiano de forma documental, como a chegada de um trem à estação ou trabalhadores saindo de uma fábrica.

Alice Guy foi responsável pelo que hoje é considerado o primeiro filme com narrativa ficcional, chamado A Fada do Repolho, de 1896, já fazendo uso de efeitos visuais.

Em 1906 dirigiu O Nascimento, a Vida e Morte de Cristo, uma superprodução com mais de trezentos figurantes e 33 minutos, uma duração impressionante para a época.

Francesa de origem, em 1910 migrou para os Estados Unidos onde fundou seu próprio estúdio, chamado Solax. Além de experimentar com o uso de cores, tingindo seus filmes, Guy criou filmes com som sincronizado, usando o Chronophone patenteado por Léon Gaumont em 1902. O som era gravado em disco e a performance era dublada durante a filmagem, criando uma espécie de videoclipe. Ambas as técnicas podem ser conferidas no filme Felix Mayol performs Indiscreet Questions. 

No filme As Consequências do Feminismo (1906) Guy ironiza papéis de gênero rígidos, mostrando como seria a sociedade se as mulheres de então se comportassem como os homens e vice-versa.

Alice Guy percebeu o potencial narrativo para o que até então era utilizado de forma documental. Não só isso, ela percebeu que o cinema possibilitava explorações artísticas maiores e experimentou com elas. Até 1922, quando parou de escrever, produzir e dirigir, estima-se que Alice Guy tenha feito em torno de mil filmes, dos quais cerca de trezentos sobreviveram. É uma pena que seu nome, junto com o tantas outras mulheres pioneiras em suas áreas, não seja mais lembrado.

 

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Figurino: Garota Exemplar

Texto originalmente publicado na coluna Vestindo o Filme.

Aviso: esse texto contém revelações de detalhes da trama do filme.

“Sim, eu te amei e então tudo que fizemos foi nos ressentir, controlar um ao outro. Nós nos causamos dor. ”

“Isso é casamento. ”

Garota Exemplar é um filme fascinante e manipulativo, que brinca com as expectativas de quem o assiste. Dirigido por David Fincher, seu roteiro foi adaptado por Gillian Flynn do livro homônimo escrito por ela mesma. O figurino é de Trish Summerville, relativamente novata na indústria e que antes desse filme trabalhou em Millennium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres, também com Fincher, e Jogos Vorazes: Em Chamas. (Para ler a análise do figurino deste último, acesse aqui). Embora com poucos filmes creditados em seu currículo, Summerville mostra segurança em seus trabalhos. O cuidado que teve para com a narrativa de Garota Exemplar é uma prova. Figurinos confeccionados para filmes de época ou mesmo de fantasia são facilmente elogiados, uma vez que geralmente tem maior apelo visual para o público. Muitas vezes a beleza de um figurino contemporâneo pode passar despercebida, justamente por ser mais sutil. Neste filme, cada detalhe ajuda a contar a história.

Acompanhamos a história sob o ponto de vista de Amy (Rosamund Pike), que, em seu diário, relata sua vida com Nick (Ben Affleck). Eles se conhecem de uma maneira que parece saída de uma comédia romântica, com direito a diálogos afiados e literalmente uma nuvem de açúcar os envolvendo. Amy veste uma camiseta listrada branca e preta, saia, botas de cano alto e sobretudo preto. Ela é uma típica nova-iorquina urbana, que dá preferência a roupas escuras e bem cortadas. Seguindo esse padrão, no dia em que Nick a pediu em casamento, usava um vestido preto e no aniversário de 2 anos de casamento, um floral preto e branco.

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Tudo ia bem na vida do casal, até Amy perceber que Nick não se esforçava como deveria. Desempregado, não tinha ambição nem objetivos, mas mantinha um padrão de consumo bastante elevado. O ápice da decepção veio com a necessidade de se mudar para o interior, para ficar mais perto da família dele. Trabalhando em casa e sem amigos, ela troca suas roupas modernas por calças, camisetas e pulôveres confortáveis. Amy deixa de ser quem ela realmente desejava ser. É assim, vestida inteiramente de preto que ela relata a primeira agressão de Nick e o medo constante decorrente dela.

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É no aniversário de cinco anos de casamento que Amy desaparece. Nick se torna o principal suspeito. Durante a manhã, ele sai de casa vestindo uma camiseta azul e uma camisa azul claro por cima. Dois dias depois ele ainda está com a mesma roupa, já amarrotada. Ao longo dos anos as roupas dele pouco vão mudar. Sua paleta é composta de azuis e cinzas, às vezes com estampas xadrez e suas roupas são camisetas, camisas de botão, moletons e calças jeans. Lembrando que o relato é sob o ponto de vista de Amy, ele é apresentado como um homem mediano, que não ousa, não a surpreende nem desafia. É um homem comum, apesar de tudo.

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Os pais de Amy aparecem para ajudar na busca da filha. Eles são apresentados como pessoas rígidas, que acham que ela jamais era boa o suficiente. Ainda quando ela era criança, criaram a personagem de livros infantis Amazing Amy como uma versão melhorada dela. Por serem entendidos por Amy como essas pessoas insípidas e incapazes de ter laços reais com ela, eles sempre aparecem vestidos em tons de bege.

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Amy, que como é revelado, fugiu de casa, ganha peso e começa a vestir roupas desleixadas, largas e sem muito apelo estético, para passar despercebida por onde vai.

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Ao ser roubada, precisa recorrer à ajuda de seu ex-namorado Desi (Neil Patrick Harris). Ele é passivo-agressivo e controlador e por isso escolhe as roupas que ela usa e a cor e o corte de seu cabelo. Não deixa de ser irônico, após seu discurso sobre a cool girl, que se adapta aos homens ao seu redor, já que de certa forma ela fez isso, mas por sobrevivência.

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Acompanhando pela televisão as notícias e investigações a respeito de seu suposto sequestro, Amy descobre em Nick o homem que aspirava que ele fosse quando casaram. Por isso ela resolve voltar e transformar esse retorno em um verdadeiro espetáculo midiático.

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Em um primeiro momento ela vende uma imagem de fragilidade, além de uma feminilidade tradicional, com tecidos fluidos e rendas.

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Ao final, quando revela a Nick sua gravidez, ela volta a assumir o controle da situação, a despeito da violência dele, e por isso retoma sua versão nova-iorquina, com um vestido em preto e branco, com corte reto e poucos detalhes. Dessa forma ela demonstra novamente quem é de verdade.

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O trabalho de Trish Summerville é impressionante: embora minimalista, casa com perfeição com a narrativa proposta por David Fincher. Até mesmo o fato de todos os personagens principais se vestirem em tons frios ou neutros dialoga com a total ausência de tons quentes no filme. Mesmo o filtro amarelo, que é intercalado ao branco-azulado na fotografia, não é cálido. Em um filme em que a construção dos personagens e nossa percepção a respeito deles é essencial para comprarmos as justificativas de suas ações e entendermos as negociações e reviravoltas, as roupas, mesmo que pouco percebidas, são de extrema importância.

“No que você está pensando? Como está se sentindo? O que fizemos um ao outro? O que faremos?”

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Personagens Femininas e Seus Figurinos em Filmes de Ação

Texto originalmente publicado na coluna Vestindo o Filme.

Esse espaço sempre foi utilizado para discutir figurinos no cinema, oras partindo para interpretações subjetivos, oras pensando em termos de contexto histórico ou social. Invariavelmente escapam análises que vão para além do figurino e se estendem para a direção de arte como um todo, mas também para temas relacionados à representação, especialmente em se tratando de gênero. Dessa vez a proposta desse texto vai ser um pouco diferente: ao invés de focar em um filme, vou levantar alguns pontos a respeito dos figurinos utilizados por personagens femininas em filmes que envolvem ação e aventura, especialmente a falta de praticidade e de conforto proporcionada por eles. O foco é o cinema, mas como muitas vezes as mídias dialogam entre si, quadrinhos, videogame e televisão serão citados também.

Star Wars: Episódio VII- O Despertar da Força não estreou ainda, mas muitas pessoas já o esperam ansiosamente. Há poucos dias, na página de facebook do Star Wars, um fã da série deixou um comentário a respeito de uma nova personagem, Capitã Phasma, também chamada de Chrome Trooper, cuja imagem já havia sido divulgada. Ele afirmou o que pode ser traduzido como: “Não quero ser sexista, mas é realmente difícil para mim dizer que essa é uma armadura feminina”. O “não quero ser sexista, mas…” já era sintomático, mas a equipe de social media da página respondeu de forma clara: “É uma armadura. Em uma mulher. Ela não precisa parecer feminina”.

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Imagem do comentário deixado na página do Star Wars e resposta da mesma.

 

Capitã Phasma, em foto divulgada pela revista Vanity Fair.
Capitã Phasma, em foto divulgada pela revista Vanity Fair.

O figurino de Star Wars é desenhado por Michael Kaplan, que começou sua carreira em Blade Runner (cujo figurino já foi analisado aqui) e essa personagem em particular tem o visual claramente inspirado nas roupas de stormtroopers dos outros filmes da franquia. Mas mesmo que não fosse o caso, a questão aqui é a sua proteção. Independente do gênero, essa é (ou deveria ser) a função de uma armadura. Uma armadura tradicional, feita para uma narrativa que se passa em um contexto medieval, de ficção científica ou de fantasia, vai ter, basicamente, as mesmas características. As placas principais vão cobrir cada parte das pernas e braços, um elmo ou capacete para a cabeça e uma grande placa peitoral para o tronco. As juntas sempre são o ponto fraco em se tratando da segurança, pois não podem ser rígidas, para preservar a mobilidade.

Mas o mais importante é: quem veste a armadura não está nu por baixo. Aparentemente, pela expectativa de certa parte do público, esse fato pode parecer inacreditável, mas a verdade é que seios no peitoral não fazem sentido, uma vez que a placa não está em contato direto com o corpo, seguindo suas formas. Uma mulher ou homem não só utilizarão pelo menos um tipo de camisa por baixo da armadura, como também algum material acolchoado, para evitar o impacto, de maneira que suas formas se perdem dentro da proteção. Mas, mais que isso, o ideal é que as laterais do peitoral tenham uma angulação maior que o peito da pessoa, para que lanças, flechas e outras armas arremessadas sobre ele deslizem sobre a superfície. Uma placa que tivesse o formato de seios faria sua portadora correr o risco de fraturar o esterno, pois a depressão entre eles funcionaria como uma cunha sob o impacto de um golpe.

Com seus impressionantes 1,91m de altura, a atriz Gwendoline Christie, que interpreta a Capitã Phasma, também encarna Brienne de Tarth, na série de televisão Game of Thrones. Lá a figurinista Michele Clapton também providenciou a ela uma armadura funcional e adequada às atividades da personagem. Percebe-se que a peça tem uma linha central no peitoral, marcando a inclinação para as laterais que ajuda na proteção.

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Existem bons exemplos de mulheres vestindo armaduras funcionais no cinema. A rainha Elizabeth I da Inglaterra, interpretada por Cate Blanchett com figurino de Alexandra Byrne no filme Elizabeth: A Era de Ouro, de 2007 é uma delas. A Branca de Neve de Kristen Stewart em Branca de Neve e o Caçador, de 2012 é outra. Nesse caso o figurino fica por conta de Colleen Atwood, que também foi responsável por O Silêncio dos Inocentes, cuja análise pode ser lida aqui. Ambas as personagens contam com proteções nos ombros e usam cotas de malha. A rainha veste uma peça decorada e talvez a cintura marcada não seja uma boa decisão, mas o peitoral tem um formato adequado. Branca de Neve ainda conta com calças de couro, bem como o braço de segurar o escudo no mesmo material.

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Entre os lançamentos dessa última temporada do verão americano, Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros também gerou muitos comentários a respeito de sua protagonista, Claire (Bryce Dallas Howard). Ela é retratada como uma pessoa rígida, focada no trabalho de administradora do parque e incapaz de se conectar com os sobrinhos que a estão visitando. Essas características são externadas pelo figurino impecavelmente claro, acompanhado de sapatos de salto alto beges, que destoam das roupas de lazer dos visitantes e das práticas dos demais trabalhadores dos bastidores do funcionamento. A personagem passa por todas as desventuras retratadas no filme sem jamais remover os fatídicos sapatos dos pés.

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A ideia parece ser de mostrar que ela é capaz de tudo: administrar o parque, correr na mata e atrair um tiranossauro sem jamais tirar o salto, como se isso fosse empoderador. Não que se deva cobrar realismo em um filme repleto de dinossauros vivos, mas exigir resistência sobre-humana de uma personagem (que, como tal, foi escrita e idealizada dessa maneira por alguém) reflete apenas os padrões irreais com que as mulheres são retratadas no cinema. E isso é válido mesmo que a ideia tenha partido da atriz, afinal, esse é o meio em que ela está envolvida. Uma pessoa que tenha passado pela experiência de andar sobre um salto sabe que é humanamente impossível correr como Claire corre e por tanto tempo. O contraste com a Doutora Ellie Sattler (Laura Dern) não poderia ser maior. A paleobotânica foi representada à vontade com sua roupa adequada ao trabalho de campo no primeiro Jurassic Park, de 1993.

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Não é à toa que, em Tudo Por uma Esmeralda, de 1984, dirigido por Robert Zemeckis, o aventureiro John T. Colton (Michael Douglas) quebra o salto dos sapatos de Joan Wilder (Kathleen Turner), quando ambos estão na selva.

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Quando uma personagem é construída para ser uma profissional que tem que lidar com ação cotidianamente, isso tem que ser levado em conta. Por isso a construção de Ilsa Faust, interpretada por Rebecca Ferguson no novo Missão Impossível- Nação Secreta funciona quase como uma resposta a Claire. Espiã experiente, em determinado momento da trama Ilsa se veste com vestido longo e fluido, que não impede seus movimentos, além de sandálias de salto alto. O conjunto é necessário como disfarce, uma vez que ela está em uma ópera, o que pede traje de gala. Ainda assim, quando ela precisa fugir ao lado de Ethan Hunt (Tom Cruise), prontamente pede que ele retire seus calçados, pois sabe que eles não são ideais. Essa sequência pode ser vista no vídeo abaixo. No restante do filme a espiã sempre utiliza botas sem salto, adequadas para corrida.

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Há pouco tempo foi revelada a aparência da nova Mulher Maravilha (Gal Gadot), que vai participar do filme Batman vs Superman: A Origem da Justiça, previsto para o ano que vem; e de Liga da Justiça e do filme solo Mulher Maravilha, ambos previstos para 2017. O figurino é desenhado por Michael Wilkinson, que também já trabalhou em Noé e Trapaça, cujos figurinos podem ser conferidos aqui e aqui.

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Em primeiro lugar a bota possui um salto bastante alto, disfarçado como anabela. Também é possível perceber que o corpete da personagem é feito de um material rígido, como uma carapaça. Ora, detentora de super-força garantida pela deusa Deméter e multiplicada por dez vezes pelo seu bracelete de Atlas, a heroína não tem necessidade de uma roupa com armadura. Se fosse o caso, uma com o contorno dos seios, como essa, seria mais perigosa do que segura, conforme já explicado. Além disse ela necessitaria proteger braços e pernas também.

Como não precisa desse tipo de proteção, poderia se pensar em algum tipo de roupa mais prática para a movimentação. Os saltos definitivamente não se encaixam nesse quesito. É possível que sua hot pant tradicional também não seja a melhor opção e talvez calças confeccionadas em tecido com boa elasticidade o fossem. Foi assim que ela foi vestida no seriado de 2011 Wonder Woman, nunca lançado, quando foi interpretada por Adrianne Palicki.

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Mesmo assim, ambas contam com outro ponto de desconforto: o corpete tomara-que-caia. Novamente, qualquer pessoa que já teve a experiência de usar essa peça de vestuário sabe que ela não é a ideal para correr e pular e provavelmente a personagem levaria a mão mecanicamente ao decote, puxando-o para cima de tempos em tempos.

Ainda que o tomara-que-caia faça parte do visual clássico da personagem, em se tratando de uma adaptação de cinema, tudo é possível. Os uniformes dos heróis nos quadrinhos foram originalmente inspirados pelas roupas de artistas circenses, mas cada um passou por diversos modelos e formas ao longo dos anos e a pessoa responsável pelo figurino tem liberdade para tomar decisões a respeito do resultado final que almeja. Tanto é que que as cores escuras dessa versão cinematográfica, nesse caso, em nada correspondem ao azul e vermelho abertos comumente associados à heroína. E de toda forma, em sua última encarnação nos quadrinhos ela já aparece com calças e uma blusa fechada, que jamais teimariam em cair.

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Mesmo a Supergirl (Melissa Benoist), da série homônima que deve estrear esse ano, mantem o uniforme tradicional, mas com botas sem salto, saia mais longa e camiseta simples, com punhos presos aos dedos, passando a ideia de que nenhum tecido atrapalha seus movimentos. As meias-calças provavelmente vão puxar um fio e desfiar na primeira atividade física, mas, no geral, é o tipo de roupa que não é imprópria à ação. O figurino, aqui, também é desenhado por Colleen Atwood.

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As expectativas em termos de representação dos gêneros são bastante diferentes quando se leva em consideração o cinema de ação e aventura em geral. Tomemos um exemplo que talvez possa ser visto como extremo, mas que ilustra tal fato. Os dois personagens abaixo têm a mesma profissão, ainda que à primeira vista pareçam ter pouco em comum: ambos são arqueólogos.

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Indiana Jones (Harrison Ford) teve seu visual, com chapéu e jaqueta de couro, estabelecida em Os Caçadores da Arca Perdida, de 1981, pela figurinista Deborah Nadoolman (que também trabalhou no clássico da sessão da tarde Um Príncipe em Nova York). Enquanto busca por suas relíquias entre as décadas de 1930 e 1950, o personagem tem as pernas resguardadas de qualquer eventual arranhão, enquanto a jaqueta protege seus braços e tronco.

Já Lara Croft (Angelina Jolie), personagem contemporânea adaptada dos videogames, apareceu em dois filmes: Lara Croft: Tomb Raider, de 2001 e Lara Croft: Tomb Raider – A Origem da Vida, de 2003. Em ambos ela foi vestida pela figurinista Lindy Hemming. O que mais chama atenção é que suas pernas estão completamente desprotegidas para qualquer tipo de impacto que possa receber. Novamente optou-se por manter a aparência que ela possuía nos jogos, ignorando que uma nova mídia permitiria a alteração desta. Vale notar que em 2013 a personagem passou por uma remodelação, deixando seu físico mais realista e trocando os shorts por calças.

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Muitas vezes figurinistas, diretores e demais responsáveis pela aparência de personagens femininas em filmes que envolvem cenas de ação e aventura as colocam em um papel fetichizado, desnecessário para o desenvolvimento da trama e especialmente das próprias personagens. Outras vezes esse pode até não ser o caso, mas o retrato é preguiçoso e parece não levar em conta o ambiente em que elas estão inseridas e suas ações. As roupas de qualquer personagem, independente de gênero, deveriam ser pensadas de maneira a refletir as atividades que ele precisa desempenhar em cena. Personagens como Sarah Connor (Linda Hamilton)  e Ripley (Sigourney Weaver) sempre são lembradas quando os gêneros de seus filmes são citados e vestem uma roupa prática  e um macacão de uniforme, respetivamente.

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Ainda esse ano Imperatriz Furiosa, interpretada por Charlize Theron, roubou a cena em Mad Max: Estrada da Fúria, vestindo figurino de Jenny Beavan. A personagem fácil e rapidamente se transformou em um novo ícone feminista, tudo isso com uma roupa que não só não a objetifica, como faz todo sentido estética e conceitualmente no cenário distópico proposto pelo filme. Pelo menos metade do público consumidor de cinema é composto por mulheres, mas a quantidade de pessoas não deveria importar quando o que está em jogo é a construção de personagens. Todos os grupos deveriam ter direito de verem na tela constructos que façam sentido e não sejam meras caricaturas, fabricadas para o olhar de um público específico. Sim, trata-se de ficção e muitas vezes em mundos fantásticos, mas ainda assim, a representação de personagens femininas importa, e muita. Com um pouco mais de empatia por parte dos responsáveis é possível fazer filmes melhores.

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A Pele de Vênus (La Vénus à la Fourrure, 2013)

Um cenário, dois atores e não muito mais que isso. Quase aos oitenta anos de idade Roman Polanski dirige um filme que é pequeno, mas não por isso pouco complexo ou interessante. A Pele de Vênus possui diversas camadas. Em 1870 Leopold Ritter von Sacher-Masoch publicou seu livro A Vênus das Peles, polêmico romance envolvendo os personagens Severin e Wanda, que deu origem ao termo masoquismo. Em 2010 o livro foi levado para um peça off-Broadway, com roteiro de David Ives. Mas não era uma adaptação comum: era a história de um diretor de teatro que pretendia encenar uma adaptação do livro. O sucesso foi tanto que ela foi transferida para a Broadway. E então Polanski decidiu adapta-la ao cinema, com roteiro escrito por ele mesmo e Ives. Partindo desse ponto temos um livro dentro de uma peça dentro de um filme.

Mas as camadas não param por aí. Na trama o diretor, chamado Thomas, é um personagem machista, que já começa a história reclamando que não consegue encontrar uma atriz que interprete sua Wanda. Segundo ele, as atrizes jovens portam-se como crianças, quando no passado já seriam casadas e com muitos filhos. Além disso metade delas seriam lésbicas e metade vadias (nesses termos). Até que uma mulher chega atrasada para audição e se apresenta com o nome de Vanda. Acontece que Vanda é interpretada pela atriz Emmanuelle Seigner, que é esposa de Polanski. Já o ator que interpreta Thomas, Mathieu Amalric, é muito parecido fisicamente com ele. Esses fatos acrescentam mais camadas de desconforto, estranhamento, estupefação e, mesmo, diversão à obra.

À primeira vista Vanda parece uma mulher sem muitos conhecimentos e um tanto quanto tola no entendimento das coisas. Mas as aparências enganam e ela veio muito mais preparada para a audição do que percebemos em um primeiro momento. Thomas concorda em ler a parte de Severin para que ela possa representar Wanda. E Vanda cresce, estabelecendo uma dinâmica de provocação baseada em um jogo de “morde a assopra” que parece querer a dominação de Thomas. Do figurino da personagem no filme e na peça dentro dele, ao seu comportamento incisivo e questionador, tudo delineia o contorno de uma postura pautada no BDSM.

Como a peça original é do século XIX, em alguns momentos situações que soam machistas e ultrapassadas surgem em cena, de maneira a deixar quem assiste com a sensação de que algo não está certo. São nessas horas que a própria Vanda tece críticas pesadas: “Essa peça é degradante e pornográfica. Uma donzela em perigo submissa!”. Mas se a Wanda da peça é percebida como submissa, na encenação da Vanda do filme e de Thomas os papéis são literalmente invertidos.

A atuação da dupla, especialmente Emmanuelle Seigner, é o ponto forte do filme, uma vez que eles só tem uns aos outros e alguns poucos elementos de cenário para se ancorar. Além disso, despido de todos os seus subterfúgios, A Pele de Vênus é, ainda, uma narrativa que parece tecer um discurso feminista. E, de qualquer forma, pensar nesse diretor que fetichiza a assertividade de sua esposa expressa através da atuação dela, em um papel em que brinca com as expectativas de um personagem que funciona como um alter ego dele mesmo, não deixa de ser uma experiência fascinante.

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Uma Nova Amiga (Une Nouvelle Amie, 2014)

Dirigido por François Ozon, Uma Nova Amiga é um filme que transita entre gêneros, passando pelo drama, o suspense hitchcockiano e o romance. A sequência de abertura já gera uma quebra de expectativas: Laura (Isild Le Besco) é mostrada sendo maquiada, enquanto toca uma marcha nupcial. Por alguns momentos podemos pensar que ela está se arrumando para seu casamento, quando na verdade está sendo preparada para seu velório. E assim somos apresentados a Claire (Anaïs Demoustier), sua melhor amiga e protagonista do filme. Logo nos primeiros quinze minutos, através de flashbacks eficientes, vemos como a dupla se conheceu, quando tinham setes anos e Laura mudou para o colégio de Claire. Acompanhamos as duas crescendo, inseparáveis, tendo suas primeiras experiências com relacionamentos, até que ambas casam e Laura tem uma filha, pouco antes de falecer. Claire promete tomar conta do bebê e do marido da amiga, David (Romain Duris).

A personagem entra em um processo de luto prolongado, tendo dificuldade de lidar com a morte da amiga e se afastando do trabalho. O seu marido, Gilles (Raphaël Personnaz), oferece apoio dentro de suas possibilidades.

Certo dia, passando em frente à casa de Laura, Claire entra sem bater e se depara com uma mulher ninando o bebê: David vestindo uma peruca e um vestido floral de Laura. Em um primeiro momento, ela não aceita o crossdressing, mas ele explica que Laura sabia e aceitava.

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Claire digere a informação e passa a conviver com Virginia, nome que confere à outra. Uma saída em público torna as coisas mais fáceis. O tema é tratado de maneira séria e ao mesmo tempo delicada e a direção de arte contribui muito para a construção das personagens. Claire, desde a infância, era o tomboy da dupla. Seu guarda roupa possui muitos elementos emprestados da alfaiataria, como calças, paletós e camisas de botão. As cores são sempre escuras, pendendo para o azul. A cor domina toda sua vida: sua casa é coberta de azul, das paredes, passando pela roupa de cama até as louças. Laura, em contraste, era retratada em tons claros e rosados, com estampas florais e muitos vestidos. As duas amigas se complementavam e com Virginia, Claire reencontrou essa metade que lhe complementa através de uma feminilidade tradicional, influenciando-a, mesmo, a utilizar vestidos, usar o vermelho e se maquiar. Mas o contraste entre as duas não é feito de forma cômica e a forma como uma afeta a outra transcorre com naturalidade, e não sob a forma de um makeover caricato no estilo Uma Linda Mulher ou Diário de Princesa, apenas para citar alguns exemplos.

A convivência com Virginia faz Claire rever muito mais do que sua forma de vestir, assim como a vivência e a identidade de Virginia vão além do crossdressing. As barreiras de performatividade de gênero e de expressão de sexualidade são gradualmente quebradas.

Romain Duris está ótimo no papel, mas Anaïs Demoustier é quem se destaca, construindo uma Claire que se equilibra entre a fragilidade e a força. A direção de arte contribui grandemente com a experiência. Uma Nova Amiga é um filme muito bonito, que aborda questões de gênero de forma leve mas nunca jocosa e sem preconceitos ou amarras.

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