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A Bela e a Fera (Beauty and the Beast, 2017)

Como já diria a canção, um conto tão antigo quanto o próprio tempo: apesar de improvável dois jovens se apaixonam. Em mais uma recriação com atores de uma de suas animações clássicas, a Disney traz ao público novamente A Bela e Fera, dessa vez dirigido por Bill Condon. O pontapé inicial da trama já é conhecida do público: uma feiticeira disfarçada de idosa oferece uma rosa em troca de abrigo a um príncipe em seu castelo. Ele, repudiando a aparência da mulher, expulsa-a e é punido com sua transformação em uma besta de aparência feroz, para que aprenda que a beleza é encontrada internamente. O feitiço só é quebrado se alguém se apaixonar por ele antes que a última pétala da rosa caia.

O primeiro número musical, utilizando uma canção original da animação, já puxa o espectador para dentro da história. Intenso, melódico, colorido e bonito de ver, nele somos apresentados à aldeia de Bela (Emma Watson), e ao seu hábito de leitura, estranhado por muitos. Com quase quarenta minutos de duração a mais, o filme dá conta de explicar detalhes pouco explorados ou ignorados na animação. Um deles é o fato de que a escola da cidade só aceita meninos, o que significa que provavelmente as demais moças são analfabetas. Bela canta que não quer saber dessa vida provinciana, julgando quem a rodeia, mas não parece se dar conta que para a maior parte deles essa não é uma escolha, é o que há. Além disso, sustenta-se aqui uma oposição ultrapassada entre vaidade e intelectualidade: Bela considera-se diferente das outras garotas porque ela lê. Apenas três outras jovens aparecem com destaque, sempre refestelando-se em trajes e maquiagens ridículas. A personagem é construída para nos vender a ideia de que ela é especial por não ter interesse nessas banalidades (ainda que sempre impecavelmente vestida e maquiada, apenas não mostrada no processo de obtenção de sua boa aparência).

Mas se o estereótipo do “eu não sou como as outras garotas” poderia ter sido deixado de lado, pelo menos a mal-fadada síndrome de Estocolmo pela qual a personagem passa em tantas versões aqui foi atenuada. Bela tem muito mais autonomia e expressa constantemente suas opiniões e, por outro lado, a Fera (Dan Stevens, de Downton Abbey) é muito menos odiosa. Há até mesmo uma tentativa de justificar seu comportamento com um passado triste descortinado em flashback. Não é muito convincente, mas o fato é que, após a grosseria inicial, ele é mais aberto ao diálogo e ambos têm na literatura um interesse em comum. Dessa forma, o romance se parece mais justificado.

Se o rosto de CGI da Fera nem sempre convence, por outro lado tanto a aparência quanto a interpretação dos objetos da casa são maravilhosos. e assim reencontramos Lumière (Ewan McGregor, inspiradíssimo), Cogsworth (Ian McKellen), Mrs. Potts (Emma Thompson), Madame Garderobe (Audra McDonald), Maestro Cadenza (Stanley Tucci) e Plumette (Gugu Mbatha-Raw), trazendo magia à história. Em meio a um elenco estelar, Luke Evans rouba a cena com seu Gaston canastrão, auto-confiante e involuntariamente engraçado. Infelizmente o personagem demonstra maldade maior nessa versão, provavelmente para amenizar a percepção que temos da Fera. Já o LeFou de Josh Gad é engraçado e não tem papas na língua, sendo sua participação ampliada. É uma pena que, propagandeado como o primeiro personagem abertamente LGBT da Disney, na verdade seja estereotipado, mantido no armário, sem direito a uma história própria e tendo os vislumbres de sua sexualidade utilizados como fonte de humor. Impressiona que isso possa ser considerada um avanço em se tratando de um filme infantil do estúdio. Mas como vilão e ajudante, ambos funcionam muito bem e tem boas sequências e diálogos juntos.

Mas para além de alguns problemas de atualização de roteiro, o que mais encanta no filme é seu visual. Além da direção de arte que esbanja cores, destaca-se o figurino de Jacqueline Durran. As roupas de Bela, especificamente, são trabalhadas majoritariamente em azul, branco e vermelho, sempre com uma cor contrastando em pequenos elementos com a outra. Destacam-se primeiro três conjuntos: um simples com avental que usa em casa, um com corpete bordado de flores e detalhes azuis já no palácio da Fera e depois um traje vermelho e capa da mesma cor, quando passeia no jardim. Os tons de azul a ligam à própria Fera, pois essa é a cor de seu traje. Por fim, há um belíssimo vestido amarelo com apliques de flores, que remete ao original da animação. O vestido do baile final também é coberto com detalhes florais. Todas esses elementos da flora remetem tematicamente à própria rosa da maldição.

Com uma estética apurada, um elenco competente, músicas vigorosas e roupas bonitas, A Bela e a Fera é visualmente impressionante, encanta, enche os olhos e diverte. Nem tudo são acertos, mas com uma narrativa repaginada, tornando a Fera mais humana e a Bela mais plena em agência, o filme consegue se traduzir de maneira mais adequada às audiências contemporâneas.

 

 

 

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Figurino: Noé

Texto originalmente publicado na coluna Vestindo o Filme em 23/04/2014.

 

Mantendo fidelidade à temática de sua obra, Darren Aronofsky (Cisne Negro) mais uma vez dirigiu um filme sobre obsessão: Noé. Polêmico, talvez o maior problema do filme tenha sido a falta de compreensão da sua natureza: muitos esperavam uma adaptação literal da história bíblica, quando na verdade trata-se de uma baseada em uma graphic novel desenvolvida pelo próprio Aronofsky, reimaginando o mito.
Se levarmos em conta a interpretação literal da Bíblia, teríamos que considerar que a criação ocorreu entre 6 mil e 10 mil anos atrás. Levando-se em conta a idade do protagonista e sua genealogia, isso localizaria a história no período Neolítico. Nessa época os humanos vestiam trajes confeccionados de pele e couro e usavam ossos para fechamento. Ao fim do período as primeiras roupas de tecidos confeccionados com lã e outras fibras naturais seriam criadas.
Da pré-história até o final da Idade Média não existiu o que nós conhecemos como moda. As roupas a princípio possuíam uma funcionalidade específica (proteção) e mesmo quando o valor estético foi incorporado, suas variações eram baseadas na perpetuação da tradição e não eram mudanças drásticas.
Mas, ao levarmos em conta que se trata de uma reinterpretação de um mito, isso situa a trama fora de nossa escala temporal, permitindo liberdade total para reimaginar as roupas conforme as necessidades narrativas. Por esse motivo o figurino também causou reações de estranhamento: protagonistas de filmes bíblicos costumam vestir túnicas, mas isso está bem longe do que vemos aqui. O figurinista Michael Wilkinson (que recentemente trabalhou em Trapaça e está em franca ascensão na indústria) não parece ter grande preocupação em fidelidade com o que se espera dos períodos retratados, brincando com formas e modelagens de maneira a obter os efeitos desejados para a narrativa.

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A família de Noé (Russell Crowe) é formada por sua esposa Naameh (Jennifer Connelly), seu avô Matusalém (Anthony Hopkins), seus filhos Sem (Douglas Booth), Cam (Logan Lerman) e Jafé (Leo McHugh Carroll), além de Ila (Emma Watson), jovem que adotaram quando criança e que torna-se companheira de Sem.
Eles vestem-se em camadas sobrepostas de trajes confeccionados em tecidos rústicos e desgastados. As formas são ajustadas e contemporâneas, blindando-os contra as intempéries do clima, em uma natureza que foi dilapidada pelos humanos.

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Os tecidos são artesanais, confeccionados em tear ou tricotados, com matérias primas vegetais, como algodão e linho. Eles são utilizados de forma mesclada, criando-se textura visual para as roupas. Costuras feitas à mão são visíveis. A paleta de cores possui variações bastante sutis e o belo trabalho de tingimento, realizado pelo artista Matt Reitsma, é perceptível, com a obtenção de suaves variações de tons de marrom, creme, cinza e mesmo um certo tom arroxeado sempre presente nas roupas de Naameh.

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É interessante perceber esse uso de tecido de origem vegetal pela família de Noé, pois isso casa com o conceito da trama de que eles seriam vegetarianos, respeitando, assim, o restante da obra do Criador. Dessa forma, as botas de couro que vestem parecem contraditórias dentro do próprio conceito criado para o filme.

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Em contraste com eles, temos os descendentes de Caim, liderados por Tubal-Cain (Ray Winstone). Esses humanos demostram pouco respeito ao restante da Criação, fazendo uso desenfreado de tudo que está ao seu redor e consumindo os recursos naturais. Percebe-se que utilizam não só trajes feitos de couro (já que consomem carne), mas também, devido aos seus instintos bélicos bastante aflorados, adornados de metal, como proto-armaduras.

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Traje de Tubal Cain em desenvolvimento. Fonte: tyrannyofstyle.com

Traje de Tubal Cain em desenvolvimento. Fonte: tyrannyofstyle.com

Recheada de gnosticismo, em Noé Darren Aronofsky criou uma versão interessante, forte e intensa para a história que sempre lhe intrigou. O figurino de Michael Wilkinson não se destaca pela beleza particular das peças, mas sim pela qualidade do trabalho artesanal e pela coerência com o universo criado para a história.

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Noé (Noah, 2014)

O antropólogo alemão Franz Boas afirmou que o mito tem origem histórica e se baseia no cotidiano do próprio povo que o criou. Por outro lado, defendeu que ele pode se espalhar através de difusão para outros povos que tenham proximidade geográfica. Ainda assim, seria possível encontrar relatos similares entre povos sem contatos anteriores, mesmo que sem uma causa primária semelhante ou uma significação semelhante. Grande parte dos povos da antiguidade buscavam se fixar nas proximidades de rios, porque facilitava a obtenção de água e alimento. Assim, eventualmente, uma cheia periódica poderia ser maior do que as normais, levando a busca por uma explicação que geraria diversos mitos de dilúvios. Um deles é o mito judaico, também presente na crença cristã. O fato desta história ter significado religioso para grande parte da população ocidental é provavelmente o maior ponto gerador de falta de compreensão relacionado ao filme Noé, dirigido por Darren Aronofsky.

Primeiramente é preciso ressaltar que o filme não é uma adaptação direta da história bíblica, mas sim de uma reimaginação feita para quadrinhos pelo próprio Aronofsky. De qualquer forma é preocupante a falta de entendimento do que significa a palavra “adaptação”, ou, pior, a falta de entendimento seletiva, visto que adaptações de outras mitologias raramente geram controvérsias quando ocorrem alterações em relação à fonte.

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Dito isto, Noé é sim um bom filme. Falho, certamente, mas forte e interessante. O personagem-título, interpretado por Russel Crowe, da décima geração após Adão, acredita estar recebendo em sonhos mensagens do Criador (chamado desta forma ao longo de todo o filme). A humanidade estava destruindo a criação e a solução para isso seria removê-la da Terra através de um Dilúvio e  então recomeçar. O mundo se divide entre os descentes de Caim, liderados por  Tubal-cain (Ray Winstone), e os de Seth, terceiro filho Adão e Eva. A família de Noé seria a última dessa linhagem. Ele seria o escolhido para executar essas ordens e construir uma grande arca para abrigar sete pares de cada animal puro e dois pares de cada animal impuro, de maneira a repovoar o planeta. Uma das diferenças entre os descendentes de Seth e os de Caim é que os segundo alimentam-se de carne, por acreditar que esta lhe dá força, enquanto os primeiros apenas se alimentam de ervas e frutas. Embora tenha visto muitas reclamações a respeito desse retrato, ele seria biblicamente apurado na interpretação literal, visto o ser humano foi criado (em uma visão bastante antropocêntrica) para reinar (cuidar e proteger) sobre os animais e só receberia autorização para se alimentar deles após o dilúvio, quando grande parte da vegetação morreu submersa. Por isso a ordem de levar sete pares dos animais puros, que são os animais “kosher”, aqueles aptos a serem ingeridos na tradição judaica.

Matusalém (Anthony Hopkins), avó de Noé, aparece aqui como uma espécie de conselheiro da família. Quando Noé está em dúvida sobre como prosseguir, consulta-o e este o entrega uma bebida que afirma ser um chá, bastante escuro. Impossível não pensar, neste momento, nas religiões baseadas na ayahuasca, em que o chá é bebido e a pessoa passa a ter mirações (visões), sendo que uma cobra brilhante é presente em diversos relatos, tendo especial significação entre os povos indígenas que fazem uso ritual. Não é de se estranhar, visto que o filme parece tomar uma vertente bastante gnóstica do mito, cheia de dualismos místicos. Noé novamente adormece para então ver uma serpente cintilante, aquela do Jardim do Éden e então receber a confirmação das ações a serem tomadas. A serpente vem, depois, a ter importância simbólica, quando seu couro é utilizado para simbolizar a liderança da humanidade através dos primogênitos, enrolado ao braço com um tefilin da tradição judaica.

Repetidamente flashes de imagens da maçã, da serpente e de Caim matando Abel, acompanhadas de um ruído agudo, se inserem em meio à narrativa. Ao mesmo tempo mostram um passado da humanidade que parece nos destinar ao erro e um momento em que a estética de Aronofsky se faz fortemente presente, pois esse tipo de corte rápido, quase publicitário, costuma aparecer em seus filmes. Aliás, em se tratando de autoralidade, não é difícil de perceber a mão do diretor atuando por trás da produção, apesar de se tratar de um filme de estúdio. Outra sequência, também belíssima, é aquela em que Noé conversa com sua esposa Naameh (Jennifer Connelly) e vemos apenas seus perfis negros contra um céu colorido de entardecer. Além dessas, destaco também o relato dos sete dias da criação, em que este fala “no princípio não havia nada” e à partir daí vemos os animais evoluírem em tomadas que parecem animações em quadro a quadro, até a criação dos humanos, seres etéreos e iluminados que viviam no Éden. (Essa é, novamente, uma visão gnóstica, em que somos criados na luz e adquirimos carne e peso material apenas após a expulsão).

Para sua empreitada, Noé conta com o auxílio de gigantes de pedra, que na verdade são os anjos caídos, que não receberam perdão do Criador por querer ajudar os humanos após a expulsão do Éden. Embora cause estranhamento, gigante filhos de anjos caídos e humanas são mencionados na Gênesis da Bíblia. Aqui eles auxiliam no desmatamento da floresta enviada pelo Criador para fornecer madeira à construção da arca e no próprio feitio. Seu visual é bastante interessante, parecendo mover-se, com desconforto, de uma forma que se assemelha ao stop motion de Ray Harryhausen. Aos poucos os animais vão migrando e chegando até o grande barco. Em muita cenas a computação gráfica deixa a desejar e a aparência deles não é crível.

Além de Noé e Naameh, a família é composta por Sem (Douglas Booth), Cam (Logan Lerman) e Jafé (Leo McHugh Carroll), além de Ila (Emma Watson), jovem que encontraram com um ferimento no abdômen quando criança, adotaram e tornou-se companheira de Sem. Em virtude de seu ferimento, acreditava-se que Ila seria estéril. Por sua vez, Cam, mostrava-se preocupado com a falta de uma esposa para ele, o que acarretou graves desentendimentos entre ele e o pai. Antes de começar as cheias, Matusalém abençoa Ila e reverte sua aparente infertilidade. Já durante o dilúvio, quando lhe é relatado o acontecimento, Noé se enfurece, pois passara a acreditar que estava nos planos divinos que a humanidade fosse extinta para que o restante da criação pudesse viver sem perturbação. Assim, seus filhos seriam os últimos homens da terra. Em um momento bastante inspirado na história de Abraão, Noé pega uma faca para matar as crianças que nasceram de Ila. Mas ao contrário da história que inspirou esse momento, este não é um teste de fé ditado pelo próprio Criador: trata-se de um momento de soberba extrema em que, considerando-se o enviado, passa a criar possíveis interpretações para as mensagens que afirma ter recebido em sonho. É o poder do auto-convencimento e o senso de importância se manifestando.

Dessa forma, pode-se dizer que o filme tenha três vilões: a humanidade que destruiu as demais formas de vida e destrói a si mesma em lutas violentas pela sobrevivência; o Criador, que não possui misericórdia e ordena matanças de inocentes por achar que algo deu errado em sua própria criação; e por fim, o escolhido, um homem tão falho quanto aqueles que condenou à morte, à imagem e semelhança de seu Criador.

O filme não se poupa de retratar a “Vergonha de Noé”, trecho do mito que já apareceu em diversas obras de arte ao longo da história e que explica a divisão da humanidade em tribos diversas após o dilúvio.

A Bebedeira de Noé (1508-1812), afresco de Michelangelo

A Bebedeira de Noé (1508-1812), afresco de Michelangelo

Embora tenha sido pungente a forma como Naameh pediu desculpas a Ila ao informar que havia tido duas meninas, não deixa de ser significativo o discurso ao final de que essas duas serão as responsáveis por recomeçar a humanidade. É revigorante ver que a culpabilização das mulheres, tão fortemente marcada na mitologia judaico-cristã, aqui é contrabalançada pela esperança em relação ao futuro colocada em duas inocentes meninas. O arco-íris ao final marca as pazes feitas entre Criador e criaturas.

Um grande erro do filme é, especialmente do meio para o fim, perder-se em certas cenas excessivamente melodramáticas. As cenas de luta corpo a corpo também mostram-se bastante desnecessárias no contexto geral. Mas, fora isso e o fato de ter um CGI nem sempre competente, trata-se de uma narrativa forte e intensa, recheada de belas cenas e atuações competentes. Não está nem perto de ser a maior realização de Aronofsky, mas ainda é uma obra passível de apreciação. Noah-poster

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É o Fim (This is the End/ 2013)

Assistido em 12/10/2013

Teoricamente esse filme é uma comédia, escrita e dirigida por Seth Rogen. Não gosto dos filmes dele nem do Judd Apatow, que costumo colocar na mesma categoria de comediantes excessivamente elogiados, pouco cientes de seus privilégios de homem-branco-heterossexual, um tanto quanto infantis e que definitivamente não sabem escrever mulheres. Resumindo, são aqueles que escrevem comédias para os caras que moram com a mãe depois dos trinta. É o Fim tem a proposta de ser uma comédia sobre o fim dos tempos, em que os atores interpretam a si mesmos: uma ideia boa que foi desperdiçada. Tudo começa em uma festa na casa de James Franco, em que Seth Rogen e Jay Baruchel vão a contragosto do segundo. Lá estão Jonah Hill, Craig Robinson e outros artistas. Durante a festa ocorre o Arrebatamento do apocalipse, mas ninguém percebe pois nenhum dos presentes é arrebatado. Com o mundo acabando lá fora, o grupo de sobreviventes se refugia na casa de Franco. A parte inicial tem alguma graça devido às piadas com referências às próprias carreiras dos atores. Eles gravam um vídeo-diário usando a câmera de mão que James Franco utilizou em 127 Horas. Michael Cera drogado e tarado é engraçado pelo contraste com a figura dele na vida real. Algumas participações especiais se destacam, como de Emma Watson, além das brevíssimas de Rihanna e Paul Rudd (que deveria ter permanecido mais tempo em cena). Outras são (propositalmente) vergonhosas, como de Channing Tatum. O “vilão”, Danny McBride, consegue, pelo menos, gerar total antipatia ao longo da trama. Daí para frente tudo se desenrola em torno de piadas sem graça. O fato é que a premissa do filme poderia ter rendido um material minimamente engraçado, mas no final das contas o excesso de egos envolvidos parece ter prejudicado o resultado. A infantilidade com que se lida com o humor é ridícula. Alguém com mais de dez anos acha graça em piadas de pênis? O filme todo é repleto delas, em todas as vertentes possíveis. O que me espanta são as boas avaliações que o filme tem ganhado em diversos veículos. Passo.

THIS-IS-THE-END-Poster

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As Vantagens de Ser Invisível (The Perks of Being a Wallflower/ 2012)

Assistido em 07/04/2013

Baseado no livro homônimo, As Vantagens de Ser Invisível tem uma vantagem que poucos materiais adaptados têm: seu autor também o adaptou e dirigiu. Isso facilita na transcrição das emoções diretamente para a tela. O protagonista, Charlie (Logan Lerman), é um garoto de 14 anos em seu primeiro ano de 2º grau, no início dos anos 90. Ele é deprimido, retraído, toma remédios e sua família (pai, mãe, irmão mais velho na faculdade e irmã mais velha ainda no colégio) se preocupa muito com ele. No começo do ano ele conhece amigos novos, os meio-irmãos Patrick (Ezra Miller, que já havia feito fantasticamente Precisamos Falar Sobre Kevin) e Sam (Emma “Hermione” Watson). Através desse contato inicial, ele passa a integrar um grupo de amigos e descobre amizade, aceitação, amor e certo alívio para suas dores.

Charlie é um personagem fácil de se identificar  porque acredito que quase todos já se sentiram deslocados de alguma forma durante seu período de colégio. Apesar disso ele tem um certo senso de auto-importância. Certa hora, conversando com seu professor de literatura, pergunta porque as pessoas às vezes não namoram a pessoa certa. Na sua própria cabeça, a pessoa certa é ele mesmo e não consegue ver a razão de seu afeto envolvida com outro. Por outro lado ele está sempre aberto para novas experiências (incluindo festas, drogas, músicas…) e entende rapidamente o desconhecido.

Engraçado que pelo meio do filme não pude deixar de pensar que o roteirista deveria ser homem. Ao verificar se essa crença era verdade, deparei-me com o fato já citado, de o autor do livro, roteiro e diretor ser a mesma pessoa (e homem). É fácil perceber isso porque o único personagem bem desenvolvido é Charlie. Patrick ainda tem suas nuances, mas todas as personagens femininas, mesmo as com bastante participação, são unidimensionais.  Há a menina que sofre abuso sexual no passado e lida com isso sendo extrovertida, há a mandona, a artística, a preocupada-maternal: todas elas não passam de recortes projetados pelo olhar de Charlie.

Apesar de ter achado um bom filme sobre crescimento, gostado dele e ter achado que tem seus momentos emocionantes, algo não me convenceu. O clima de depressão regado a Smiths às vezes parece tão artificial quanto o quarto dos ano 90 da Sam, que parece saído do Pinterest em 2013. E quando Sam e Patrick vão para a faculdade e voltando dois meses depois com a mensagem de que as coisas melhoram, dá para pensar se melhoram tão rápido assim. Parece-me um saída fácil demais para os personagens. Afinal, dizem que a escola nunca acaba e mudam as datas e os lugares, mas por dentro as pessoas ainda são as mesmas.

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